Station onze : où la fin du monde est un vert vibrant et luxuriant

Lorsque vous réfléchissez à la manière de présenter aux téléspectateurs le monde de HBO Max Station onze, l’équipe de production de l’émission a décidé d’inverser le scénario habituel : le présent ressemblerait au futur et le futur ressemblerait au passé.

« Nous avons choisi de nombreux endroits avec un éclairage artificiel, des stations de métro, un théâtre, voire des rues la nuit. Tout a cette esthétique austère et artificielle », a déclaré le directeur de la photographie Christian Sprenger. «Nous avions l’intention de laisser cela être ce à quoi ressemble normalement l’esthétique future de la science-fiction. Et quand vous vous projetez dans le futur, vous avez presque l’impression d’être il y a 200 ans. »

Cet avenir imaginé est luxuriant, vert et beau. C’est un choix iconoclaste pour un conte post-apocalyptique. Le premier épisode de Station onze laisse tomber les téléspectateurs dans un cadre fictif désormais familier: le monde se termine, et une poignée de personnages essaient de naviguer dans ce fait. L’épisode se déroule principalement dans notre monde d’aujourd’hui, dans un Chicago enneigé qui est sur le point d’être dévasté par la grippe mortelle de Géorgie. L’histoire se déroule sur quelques heures de nuit, et les images sont austères et blanches, de la neige partout.

Mais regardez de plus près et vous verrez que l’épisode fait un usage distinctif de la couleur. Les lumières de Noël scintillent et la blancheur de la neige est tellement, tellement blanche. Une jeune fille porte une veste rose sur une robe crème. L’intérieur d’une rame de métro présente de brèves touches de couleurs vives.

Ce premier épisode est réalisé par Hiro Murai, l’un des meilleurs stylistes visuels de la télévision qui travaille actuellement, et trouver des couleurs au bout du monde s’avère être la philosophie dominante de la série, qui capture le ton étrangement plein d’espoir d’Emily St. Le roman de John Mandel sur lequel la série est basée. Les rouges, les bleus et les verts sont partout, et les producteurs ont peaufiné les images pour qu’elles soient Suite coloré en post-production, où tant de contes post-apocalyptiques les peaufineraient pour avoir moins de couleur.

« À bien des égards, nous essayions d’inverser le genre post-apocalyptique », a déclaré Station onze créateur et showrunner Patrick Somerville. « Hiro a toujours dit qu’il voulait être là quand nous parlions de l’année 20 [after the plague that kills most of humanity]. Calme, grand, vaste, beau, vert. Pas détruit. Juste encore.

La fin de la première met magnifiquement en place cette idée visuelle. L’épisode fait un bond en avant de 20 ans pour un très bref plan se déroulant dans l’après-apocalypse, où tout est luxuriant et vert. Cette petite quantité de séquences a fini par être la clé pour organiser une production massive qui n’a filmé que deux épisodes (le premier et le troisième), qui se déroulaient tous deux en grande partie dans la pré-apocalypse, avant que Covid-19 n’oblige à un arrêt prolongé de la production . Ce petit extrait d’images de la post-apocalypse a été tourné par Sprenger, le directeur de la photographie de la série pour les épisodes tournés avant la fermeture. C’est devenu la clé de tout ce qui a été tourné après la fermeture, où Steve Cosens a été directeur de la photographie.

« Ce moment de Mackenzie [Davis, the series’ star] dans le piège à sable à la fin de l’épisode un, cela signifiait que Christian, qui était le concepteur original de l’avant et de l’après, avait fait le minutage des couleurs de cette scène. Il a fait éclater les greens dans le maquis et d’autres plans. Il y a ce ciel bleu fou, et puis Mackenzie a du rouge et du bleu. Christian vient de faire éclater toutes ces couleurs pendant environ 15 secondes dans l’épisode un, et c’est devenu un guide pour Steve Cosens pendant toute l’année 20 », a déclaré Somerville.

Et contrairement à la plupart des histoires qui se déroulent dans des futurs post-apocalyptiques ou dystopiques, Station onze en fait, a atténué la couleur dans les scènes se déroulant avant que tout le monde ne meure. Sprenger a déclaré que cela découlait naturellement des choix de conception faits pour les scènes post-apocalyptiques.

«L’année 20 est très naturellement éclairée avec beaucoup de soleil éclatant et beaucoup de verts et de flore colorés et beaucoup de saturation. Nous voulions que ce monde soit accueillant, et nous voulions repousser ce concept de Cormac McCarthy [The Road’s] futur très grossier, sale, presque monochromatique, cette triste esthétique d’apocalypse », a déclaré Sprenger. « Là où cela nous a conduit, c’était cette année zéro, le monde dans lequel nous vivons actuellement, voulait se sentir un peu plus modéré et légèrement désaturé. »

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La couleur est également utilisée tout au long de la série à des fins de narration. La couleur rouge distingue le personnage principal, Kirsten, des autres dans la série. Cela fait à la fois un clin d’œil à une milice violente connue sous le nom de Bandanas rouges (principalement entendus et non vus au cours de l’émission) et aux jours qu’elle a passés au début de l’apocalypse dans un appartement avec deux frères. Comme vous pouvez le voir sur l’image ci-dessus, cet appartement était strié de rouges.

Mais l’image qui mène cet article présente également un vert d’eau pâle, que la production a utilisé comme couleur d’une organisation mystérieuse dont les véritables plans deviennent évidents tout au long du spectacle. Ainsi, Station onze pourrait utiliser ce vert océan pour lier émotionnellement certains personnages – souvent juste des personnages qui flirteraient avec l’adhésion au mouvement – ​​à ladite organisation. Cela pourrait également faire apparaître cette couleur à l’arrière-plan des scènes afin que votre subconscient perçoive toujours la présence du groupe, même si personne de ce groupe n’était présent.

Conserver un look coloré pour les scènes de l’année 20 pourrait être un défi pour les concepteurs de la série, qui devaient créer des vêtements et des ensembles qui imitaient de manière crédible les objets récupérés par les êtres humains dans l’épave, sans sacrifier les couleurs vives. (Dans une scène, un personnage porte de façon mémorable une tenue faite de bouteilles de soda, par exemple.) La costumière Helen Huang dit qu’elle a utilisé beaucoup de vêtements de sport, qui pouvaient conserver au moins une certaine couleur.

« Vous pourriez le poncer jusqu’à l’effacement et il ressemble toujours à ce que c’est. La couleur est encore très forte. Nous avons essayé de surteinter autant de choses que possible, afin qu’elles conservent une grande partie de cette couleur », a déclaré Huang. « Nous avions nos teinturiers vieillissants qui peignaient tout de manière très stratégique. Il garde une couleur mais crée une sorte de look délavé par le soleil. Nous avons triché sur la saleté de certaines choses pour repousser une partie de la couleur afin de conserver sa puissance d’origine.

Et une fois venu le temps de peaufiner numériquement le schéma de couleurs de la série, Station onze utilisé subtilement la désaturation commune dans les histoires post-apocalyptiques pour les décors à l’heure actuelle et au lendemain de la grippe géorgienne, contrairement à l’hyper-saturation de l’an 20.

« La désaturation m’a semblé un peu comme un ciel couvert avant et après une tempête. Avoir ce sentiment a aidé à dire ce que les gens ressentaient juste au moment où une pandémie frappe, et ils se rendent compte qu’ils ont perdu des membres de leur famille », a déclaré Gina Gonzalez, superviseur de la post-production de la série, qui a travaillé en étroite collaboration avec l’équipe de couleur numérique. « Ensuite, en l’an 20, nous avons ces artistes qui se souviennent de ce qu’ils ont aimé, et essaient de faire de l’art ce qui leur reste et en font un bon travail. La beauté est donc importante.

Après tout, si vous éloignez soudainement tout le monde de notre moment présent, il y aurait toujours autant de couleurs, affirme Huang.

« Une grande partie de ce projet repose sur l’optimisme et la mémoire. Ces deux choses suscitent également de la couleur, car si vous regardez notre monde tel qu’il est maintenant, si vous enlevez tous les gens qui s’y trouvent, il est plein de couleurs. C’est plein de graphismes. C’est un souvenir de notre civilisation », a-t-elle déclaré. « Cela crée ce monde qui est séparé de tous les autres langages du monde post-apocalyptique qui existent. »

Station onze est loin d’être le seul film ou émission de télévision post-apocalyptique à adopter une palette de couleurs qui diffère des gris et des noirs sombres habituels. Mad Max : Fury Road, par exemple, regorge de bleus vifs et de jaunes brûlés, mettant en valeur son décor désertique, et d’autres histoires post-apocalyptiques comme Je suis une légende et Les morts qui marchent ont été placés dans des mondes où la verdure a dépassé ce qui était autrefois des espaces humains.

Mais qu’est-ce qui fixe Station onze à part sa volonté de pousser ces couleurs vibrantes à l’extrême. Chaque fois que la série nous plonge dans un monde où l’humanité se reconstruit, malgré les ravages de la grippe géorgienne, ce monde semble presque invitant. Ce n’est pas une suggestion que nous devrions être en espérant la fin du monde arrive, mais cela offre la promesse que même après la fin de tout, les gens continueront à trouver des moyens de prendre soin les uns des autres. Cette ambiance optimiste ne fonctionnerait pas sans les couleurs chaudes des visuels de la série, donc les choix légèrement idiosyncratiques de la série s’ajoutent à quelque chose qui ne ressemble à aucune autre série.

« Ce spectacle était trop compliqué émotionnellement pour que la couleur ne joue pas un rôle énorme », a déclaré Somerville.