Q & A : Amy Crankshaw sur Pauline Viardot, ‘Cendrillon’ & Orchestrating the Iconic Work

Le 1er novembre 2021, l’Opéra de la Guildhall School présentera en double programme « Le Docteur Miracle » de Bizet et « Cendrillon » de Pauline Viardot.

La production répondra au désir de Viardot avec une nouvelle orchestration de chambre d’Amy Crankshaw, compositrice doctorale du Guildhall et diplômée du programme MA Opera Making & Writing de l’école présentée en association avec le Royal Opera House.

La performance sera disponible pour regarder en ligne gratuitement jusqu’au 17 novembre.

OperaWire a eu l’occasion de parler à Crankshaw de sa nouvelle orchestration et de son lien avec Viardot.

OperaWire : Que révèle Cendrillon sur Pauline Viardot en tant que chanteuse et artiste ?

Amy Crankshaw : J’ai découvert que les influences musicales de Viardot sont vastes et diverses. Étant donné qu’elle a composé « Cendrillon » vers la fin de sa vie (elle avait 84 ans lors de sa création en 1904), il est logique que l’opéra ait tissé dans son tissu une multiplicité d’influences. Il est bien connu que Viardot a parlé, chanté et composé de la musique pour des textes en plusieurs langues, dont l’espagnol, le français, le russe, l’italien, l’anglais et l’allemand. Son opéra révèle certains de ces fils, par exemple, certaines parties de la partition pour piano ont une sensibilité germanique du XIXe siècle, tandis que d’autres parties de l’opéra se sentent typiquement françaises dans leur construction musicale. L’influence de Chopin est également présente dans quelques endroits. Je pense que l’engagement de Viardot avec une gamme de styles et d’esthétiques différents rend une pièce à plus grande échelle comme Cendrillon intrigante et la distingue de certaines des œuvres plus courtes du compositeur. Le dialogue interculturel dans la pièce donne à l’opéra une énergie interne unique et montre que Viardot était intéressé à utiliser sa production musicale – que ce soit en tant que chanteuse ou compositrice – pour participer à un échange créatif entre les personnes, les cultures et l’esthétique. En orchestrant son « Cendrillon » en 2021, j’ai l’impression qu’on pousse cette idée d’échange un peu plus loin et qu’on ouvre une conversation entre différentes époques.

OW : En orchestrant Cendrillon, qu’avez-vous appris sur la pièce, et qu’avez-vous découvert que vous n’aviez pas entendu auparavant ?

AC : Une partie de ce qui rend un projet d’orchestration comme celui-ci si excitant, c’est qu’un dialogue s’établit entre le compositeur et l’orchestrateur. Dans ce cas, il s’agissait d’une conversation musicale qui s’étendait sur deux siècles. En travaillant avec la musique originale, j’étudiais non seulement le potentiel de certaines combinaisons instrumentales, mais j’explorais également les intentions dramatiques et musicales derrière chaque phrase et chaque section plus large. Il y a des textures orchestrales suggérées intégrées dans la partition pour piano et en fait, celles-ci offraient tellement de possibilités que, en tant qu’orchestrateur, je me suis senti bien accueilli par la musique. J’ai également découvert que Viardot semble avoir le don de considérer soigneusement les durées de sa musique, ce qui peut être un défi dans les œuvres à plus grande échelle incorporant des récits dramatiques. Elle a trouvé un merveilleux équilibre dans les proportions de temps données pour chaque scène et chaque numéro musical, et je pense que cela sert bien l’opéra en gardant l’auditeur curieux. Étant donné que la musique de Viardot a été composée à l’époque romantique et qu’elle est considérablement différente de mon propre style de composition, je me suis retrouvé à apprécier un éventail de méthodologies de composition rarement explorées dans mon propre travail. J’ai vraiment apprécié cet élément de la collaboration.

OW : Pourquoi pensez-vous que cette nouvelle orchestration est possible aujourd’hui et pensez-vous qu’il y a une chance que cet opéra puisse avoir plus de visibilité à l’avenir ?

AC : C’est possible aujourd’hui car « Cendrillon » est une œuvre vivante et multidimensionnelle, qui ne demande qu’à être orchestrée. C’est aussi possible parce qu’il y a des musiciens, des metteurs en scène et des metteurs en scène comme ceux impliqués dans cette production qui ont vraiment envie de découvrir les compositions de Viardot et de les mettre en lumière. Je pense qu’il est possible pour « Cendrillon » de gagner en visibilité ; sa charmante combinaison de comédie et de drame le rend amusant à jouer et à
témoin.

OW : Parlez-moi de votre lien avec Viardot. Pourquoi vouliez-vous vous attaquer spécifiquement à cet opéra ?

AC : J’avais entendu parler des chansons de Viardot, et je sais combien les chanteurs aiment les interpréter. Lorsque la Guildhall School of Music & Drama m’a approché pour orchestrer « Cendrillon », j’étais impatient de saisir l’opportunité d’étudier intimement son travail tout au long du processus d’orchestration. Je suis ravi d’avoir pu m’engager en détail avec la musique d’une compositrice qui a eu une si grande influence sur son entourage de son vivant.

OW : Qu’espérez-vous que cette nouvelle orchestration apportera au travail et qu’attendez-vous avec impatience de voir les gens ?

AC : J’espère que cela aidera à éclairer certains aspects de la musique de Viardot – non seulement l’harmonie luxuriante, les mélodies élégantes et la variété des textures, mais aussi les rebondissements subtils et inattendus de sa musique, nous révélant quelque chose à son sujet
sens de l’humour et de l’excentricité. J’espère que d’autres créateurs d’opéra continueront à découvrir et à explorer cet opéra. J’ai vraiment hâte que les gens entendent la musique instrumentale de Viardot dans les intermèdes, et de voir les chanteurs en action sur scène alors qu’ils interprètent leurs magnifiques lignes vocales !