Commentaire : Des NFT aux calculs attendus depuis longtemps, 10 choses qui ont façonné le monde de l’art en 2021

Vu de l’art dernièrement ?

Parfois, une année devient un jalon dans l’histoire sociale, et 2021 sera à jamais connue comme l’année où des terroristes nationaux de droite ont attaqué le Capitole des États-Unis, laissant des cadavres et une nation scandalisée dans leur sillage. Finalement, l’horrible référence peut résonner dans les offres culturelles.

Pour l’instant, étant donné le monde encore quelque peu bouleversé des musées et des galeries d’art alors que la pandémie de COVID-19 se poursuit, une simple gratitude est due pour les opportunités artistiques qui se sont considérablement améliorées par rapport à l’année dernière à cette époque. De nombreux endroits (et probablement la plupart) ont rouvert pour le moment avec au moins un accès public. La sérendipité décontractée qui accompagne les visites traditionnelles dans les galeries, les entrées et les sorties, ainsi que les plaisirs plus ciblés des visites de musées, ne sont pas encore revenus à la normale – mais peut-être l’année prochaine.

Donc, cela n’a pas de sens de faire la liste habituelle des expositions « best of » pour 2021. J’ai admiré un certain nombre d’expositions (les critiques sont toujours publiées en ligne), mais j’ai compilé à la place une liste de 10 choses qui semblent particulièrement pertinente dans le monde de l’art cette année. Les voici, sans ordre particulier :

1. Comptes attendus depuis longtemps

La ségrégation raciale systémique dans les expositions de musées et la représentation en galerie a continué de s’effilocher, les artistes noirs commençant enfin à assumer un certain degré de parité dans un monde de l’art où les artistes blancs ont toujours été nombreux. Il en va de même pour la dotation en personnel professionnel sur le terrain. Certaines galeries, notamment Roberts Projects à Culver City, ont été à l’avant-garde de l’élévation des artistes noirs pendant de nombreuses années, tandis que de nouveaux espaces d’art appartenant à des Noirs, tels que Band of Vices à West Adams, ont ouvert leurs portes. Des artistes noirs sont ajoutés à d’autres listes de galeries et programmes d’expositions de musées en nombre sans précédent. Il reste encore beaucoup à faire – et dans tout le spectre du BIPOC – mais les progrès sont indéniables.

2. Qui réussira Cuno ?

En parlant de diversité dans le domaine, une énorme opportunité s’est ouverte cet été avec l’annonce du départ à la retraite du président-directeur général de Getty Trust, James Cuno, 70 ans. Avec ses deux musées, ses instituts de recherche et de conservation incomparables, sa fondation caritative influente et son énorme tirelire – environ 8 milliards de dollars – le Getty est une centrale électrique. Une société de recherche recherche des successeurs potentiels à Cuno, qui assumera un rôle émérite ; pourtant, pendant quatre décennies, le leadership a été exclusivement entre les mains d’hommes blancs. Ils ont supervisé une grande variété de succès et d’échecs institutionnels, mais il est plus que temps d’élargir la portée administrative au plus haut niveau.

3. Deux lieux pour un spectacle

Diviser une exposition entre deux lieux par manque d’espace à un seul est probablement mieux que de ne pas avoir d’exposition du tout, même si pour voir l’exposition, il faut monter dans la voiture et parcourir 15 (ou 30) miles pour avoir une image complète. Ce fut le cas cette année avec une importante étude des sculptures d’Alison Saar à l’Armory Center for the Arts de Pasadena et au Benton Museum du Pomona College ; et, avec l’exposition de groupe captivante « Witch Hunt », toujours à l’affiche au UCLA Hammer Museum et à l’ICA LA du centre-ville, qui examine l’art féministe récent à l’échelle internationale. La coopération entre institutions est admirable, mais la scission interrompt le croisement des objets au cœur de la finalité d’une exposition. Le format est loin d’être idéal.

4. Les musées aux prises avec l’art pillé

Le musée UCLA Fowler a fait des progrès bienvenus dans la recherche de provenance autour de sculptures presque sûrement pillées par les forces militaires britanniques en 1897 dans le palais royal de Benin City dans le Nigeria contemporain. Le retour des articles illicites est probable. Le musée d’art du comté de Los Angeles s’est cependant montré un peu moins ouvert à propos de sa grande plaque de bronze du Bénin, affirmant seulement que des « mesures appropriées » seraient prises. Les choses se sont un peu compliquées en octobre lorsque Lost Arts of Nepal, un site de recherche qui publie sur Facebook, identifié deux chefs-d’œuvre des impressionnantes collections sud-asiatiques du LACMA qui semblent également avoir été volées : un 7^e linteau de la porte du temple en pierre sculptée du siècle de la cité-état médiévale de Bhaktapur ; et une magnifique sculpture en bois du XVIe siècle de Chintamani Lokeshvara, une divinité bouddhiste populaire à Katmandou, du monastère I Baha Bahi à Patan.

5. Les dotations sont en hausse

La litanie de mauvaises nouvelles institutionnelles fomentées par la brutale pandémie de COVID-19 est longue, mais un développement inattendu est de bon augure. Les dotations des musées d’art ont grandement bénéficié d’un marché d’investissement robuste. Les musées, habitués à avoir la main pour mendier des fonds, ont été silencieux sur l’aubaine, mais une croissance de 10 %, 20 %, voire 40 % a été enregistrée dans ce qui équivaut à un dividende pandémique – du Hammer Museum au plus bas fin au Musée d’Art Contemporain, San Diego, au plus haut.

6. uvres cédées

Dans une décision prise de panique lorsque la pandémie a éclaté et qu’une crise financière se profilait au printemps 2020, l’Assn. des directeurs de musées d’art ont assoupli les restrictions sur l’utilisation des revenus de l’art officiellement retirés (ou aliénés) des collections des musées puis vendus. Un symposium virtuel largement grotesque à l’Université de Syracuse en mars a tenté de justifier l’injustifiable, claironnant le nouvel euphémisme de choix – « soin de la collection » – comme un besoin urgent. En fait, il s’agissait de couvrir les anciens coûts des opérations de base du musée, comme les salaires du personnel, la sécurité et la conservation, qui sont des utilisations de revenus qui ont toujours été correctement interdites lorsque l’art du musée est vendu. Les ventes aux enchères d’art du printemps et de l’automne à New York étaient lamentablement jonchées d’art de musée nouvellement monétisé.

7. Le boom du NFT

Rétrospectivement, cela semble aussi logique que ABC. R : Au début du nouveau millénaire, le nouvel art est devenu une classe d’actifs, négociée comme des actions ou des biens immobiliers. B : La crypto-monnaie (sous forme de Bitcoin) a été lancée en 2009, introduisant un moyen d’échange purement numérique. C : Les NFT, ou jetons non fongibles, ont rendu chaque jeton numérique unique et irremplaçable, poussant l’idée de la crypto-monnaie vers l’art de la classe d’actifs. Lorsque l’artiste jusque-là inconnu Mike Winkelmann – alias Beeple – a vendu un NFT lors d’une étrange vente aux enchères de mars pour 69 millions de dollars, le boom était en marche. Fait révélateur, presque tous les commentaires critiques sur les NFT des artistes concernent jusqu’à présent leur potentiel d’investissement, alors que presque aucun ne concerne l’art.

8. Où sont passés les catalogues d’exposition ?

Le jour du poisson d’avril, le LACMA a ouvert « NOT I: Throwing Voices (1500 BCE-2020 CE) », un regard post-moderne intrigant sur la ventriloquie en relation avec l’art et les musées. En septembre, le Musée d’art contemporain a inauguré « Pipilotti Rist : Big Heartedness, Be My Neighbor », une installation captivante en tant qu’enquête sur la carrière de l’artiste vidéo suisse. (C’est toujours à l’affiche.) Les deux grands spectacles avaient été reportés de l’année précédente en raison de la fermeture de la pandémie; malheureusement, ni l’un ni l’autre n’est venu avec le catalogue habituel, juste des guides souvenirs. Un catalogue d’exposition – en tant qu’analyse scientifique, cadre de conservation et dossier historique – est une mesure de l’engagement institutionnel envers l’art. Espérons que les absences frustrantes de l’offre d’exposition principale des deux musées en 2021 ne signalent pas également une tendance.

9. « Expériences artistiques immersives »

Le célèbre musée dime 1841 de Phineas T. Barnum, un divertissement familial qui mettait en lumière un cirque aux puces, la morale joue sur les dangers de l’alcool, les avaleurs d’épées et le bunkum comme une sirène fabriquée à partir de parties d’animaux en peluche, vit aujourd’hui sous la forme proliférante de  » expériences artistiques. Des spectacles de lumière essentiellement high-tech et éblouissants avec des graphiques numérisés simplement projetés à une échelle énorme sur les murs environnants, le sol et le plafond, certains trompent des noms d’art célèbres comme Van Gogh et Monet tandis que d’autres optent pour un surréalisme gee-whiz plus généralisé. Le divertissement bon marché pour la classe ouvrière promis par les frais d’entrée de 10 cents de Barnum est révolu depuis longtemps, cependant, les prix ont grimpé à 30 $ et plus.

10. Les maigres offrandes au Resnick

Le LACMA a ouvert son pavillon Resnick spécialement construit en 2010 pour disposer de 45 000 pieds carrés d’espace d’exposition prêt et disponible lorsqu’il a démoli tous les bâtiments d’origine pour la construction d’une nouvelle maison de collection permanente. Ces bâtiments plus anciens ont maintenant disparu, mais les offres de Resnick ont ​​été décevantes : sur 11 expositions depuis la démolition, 10 ont présenté presque exclusivement de l’art moderne et contemporain. (Idem deux des trois annoncés jusqu’à présent pour 2022.) Alors que l’art mondial pré-moderne exceptionnel croupit dans le stockage du LACMA, avec quelques objets prêtés ailleurs, le plus grand musée d’art avec les collections les plus diverses à l’ouest de Chicago a pratiquement abandonné l’art mondial l’histoire, se rétrécissant pour devenir un moderne monotone kunsthalle.