Les cinéastes adoptent parfois une approche de plusieurs années pour les documentaires

L’un des tours de magie des documentaires est la capacité de filmer quelqu’un qui change sur une période de temps. Lorsqu’il s’agit d’une période de plusieurs années, le public peut obtenir un portrait psychologique unique. Mais ces projets de longue haleine s’accompagnent de défis et d’obstacles particuliers pour les cinéastes qui les mènent à bien.

Ces documentaires peuvent prendre de quelques années à plus d’une décennie à tourner et à terminer, et les raisons varient. Parfois, l’objectif est de suivre dans son intégralité un segment crucial de la vie d’une personne. Ou l’approche du cinéaste pourrait plutôt être ouverte, en s’inspirant des expériences émotionnelles de la personne pour déterminer le chemin à parcourir et le moment de dire «la fin». Quelles que soient les circonstances, chaque production nécessite une gestion attentive de la part du cinéaste dans la relation avec le sujet.

Trois films récents qui suivent leurs sujets pendant plus d’un an sont présentés au Tribeca Festival, qui se déroule du mercredi au 18 juin à New York : « Apolonia, Apolonia », « Between the Rains » et « Q ».

« Apolonia, Apolonia » de Lea Glob filme une jeune peintre parisienne, Apolonia Sokol, sur la plus longue période de temps – 13 ans. Mme Sokol a grandi dans le bâtiment qui abritait un théâtre dirigé par ses parents, qui est devenu un refuge bruyant pour les acteurs et autres artistes. Au fil du film, elle se forge une carrière dans les arènes difficiles et souvent sexistes du monde de l’art et de l’académie.

Mme Glob a d’abord réalisé un court métrage sur Mme Sokol alors qu’elle étudiait à l’École nationale de cinéma du Danemark en 2009, après que d’autres sujets potentiels l’aient refusée. À l’époque, la réalisatrice ne savait pas qu’elle continuerait à faire un long métrage sur Mme Sokol, mais au cours de la réalisation de ce film, elle a reconnu quelque chose de spécial chez la jeune peintre.

« Elle veut vraiment donner quelque chose devant une caméra. Et je n’ai pas pu la laisser partir après ça », a déclaré Mme Glob lors d’un entretien téléphonique depuis le Danemark, où elle vit.

La décision de filmer sur 13 ans n’a pas été prise d’emblée. Mme Glob et Mme Sokol ont convenu d’un arrangement essentiellement ouvert qui s’est transformé en une production de plus de dix ans, Mme Sokol ne visionnant pas de séquences pendant que Mme Glob tournait, mais offrant une contribution lors du montage. Alors que Mme Sokol poursuivait sa carrière, Mme Glob a commencé à penser qu’une conclusion possible viendrait lorsque Mme Sokol aurait atteint un jalon de succès, mais la fin (à l’amiable) avait plus à voir avec le fait que Mme Sokol voulait du temps pour elle-même.

Mme Glob a bénéficié de l’environnement artistique libre de la communauté autour du théâtre appartenant aux parents de Mme Sokol. La jeune artiste appelait Mme Glob quand quelque chose d’intéressant se passait – comme quand il semblait qu’elle serait expulsée du théâtre.

La méthode pourrait être hasardeuse.

« Je laisserais tout tomber et je partirais, et je la trouverais là-bas en train de cuisiner des pâtes et de lire », a déclaré Mme Glob.

Mme Glob s’est recalibrée pour suivre le développement de Mme Sokol en tant qu’artiste, au lieu de courir après les événements. Regarder Mme Sokol naviguer dans l’école d’art, avoir sa première exposition dans une galerie et voyager à Los Angeles sous les auspices du marchand d’art Stefan Simchowitz – c’était maintenant un film.

« J’ai construit une relation avec son appareil photo puis avec elle », a déclaré Mme Sokol, qui enseigne maintenant, en plus de la peinture.

« Ce n’est pas de la famille, ce n’est pas de l’amitié. C’est autre chose. Quelque chose de plus fort, je pense », a-t-elle ajouté.

Mme Glob a dit qu’elle essayait de s’enregistrer avec Mme Sokol environ une fois par mois, mais qu’elle ne vivait pas à Paris. Il y avait aussi d’autres défis logistiques : Mme Glob travaillait sur d’autres projets, et il y avait un financement variable pour celui-ci. Au début, Mme Glob a monté des images en cours de route, mais lorsque cela s’est avéré contre-productif, elle a attendu plus tard pour entreprendre un montage.

Mme Glob a également dû s’arrêter pendant au moins un an lorsqu’elle a failli mourir après avoir accouché, un traumatisme auquel elle réfléchit dans le film. Et Mme Sokol a vécu une relation intense avec l’activiste ukrainienne Oksana Shachko, qui s’est suicidée en 2018. Mais en 2022, Mme Glob a achevé le portrait de son collègue artiste, qualifiant le processus de « libérateur » ; le film a remporté le premier prix au Festival international du film documentaire d’Amsterdam après sa première mondiale.

Pour « Between the Rains », les cinéastes Andrew H. Brown et Moses Thuranira suivent Kole James, un jeune membre de la communauté Turkana du village de Ngaremara, au Kenya, pendant quatre ans au cours d’une période charnière de sa vie.

Travaillant comme berger, M. James se prépare aux rites de passage et fait face aux affrontements liés à la sécheresse avec les communautés voisines.

Faire le film a impliqué au moins un an d’obtention de permission et de confiance avant le tournage.

« Ce n’est pas une communauté où vous pouvez simplement aller filmer. Il y a beaucoup de protocole à suivre. Vous devez obtenir la bénédiction des anciens », a déclaré M. Thuranira, qui est originaire d’une ville située à environ 40 minutes en voiture, et a utilisé sa maison comme une sorte de base pour la production. (Il y a aussi un lien familial dans l’équipe de production : un producteur, Samuel Ekomol, est le cousin de M. James et est enseignant dans le village de Ngaremara.)

L’équipe a maintenu un lien avec la communauté qui impliquait de participer aux barbecues et d’apporter des produits d’épicerie – parfois des chèvres, parfois des sacs de riz. Mais tout aussi important était le lien de confiance qu’ils ont construit avec M. James, qui, au cours du film, repousse certaines des traditions les plus ardues de sa communauté, y compris un rite d’extraction de dents déchirant.

Par l’intermédiaire d’un traducteur, M. James a déclaré lors d’un appel qu’il était resté fidèle au documentaire en raison de la possibilité de se connecter avec le monde extérieur et de partager les défis auxquels sa communauté est confrontée. Il a particulièrement aimé une séquence dramatique lorsqu’il piège et tue une hyène – un moment qui donne aux cinéastes un point culminant approprié à l’arc de passage à l’âge adulte.

Le réalisateur de « Q », Jude Chehab, a choisi un sujet encore plus proche de chez lui : sa mère, Hiba Khodr. Mme Chehab décrit l’évolution de la relation de Mme Khodr avec une secte religieuse secrète qui faisait partie de leur vie à tous les deux. Après avoir vu sa mère passer des décennies à se concentrer intensément sur le groupe et son chef (connu sous le nom d’Anisa), Mme Chehab a prévu d’interviewer sa mère et d’explorer ses sentiments par rapport au groupe et à sa famille. Mme Khodr a accepté, sachant que sa fille l’interrogerait librement sur des sujets dont elle n’avait pas beaucoup parlé.

Mme Chehab a filmé sa première interview avec sa mère en février 2018, et lorsque la pandémie a frappé, elle s’est retrouvée enfermée avec ses parents au Liban.

« Je pense que c’est ainsi que nous avons atteint ce niveau d’intimité, car ils ne pouvaient pas échapper à la caméra », a déclaré Mme Chehab en riant, lors d’un appel vidéo.

Le tournage s’est poursuivi pendant environ quatre ans et demi, mais de manière ciblée (pas une journée entière à la fois). Le film remonte encore plus loin, dans les années 1990, à travers des films familiaux réalisés par le père réservé de Mme Chehab (qu’elle interroge également dans le film).

Pendant tout ce temps, Mme Chehab a montré des images à sa mère, contre l’avis qu’elle avait reçu selon lequel cela pourrait rendre Mme Khodr gênée par la caméra. Elle a dit que cette exposition précoce au film avait aidé sa mère à entrer plus facilement dans le processus.

« Elle me connaît, elle sait quand je suis triste et quand elle met la pression », a écrit Mme Khodr dans un e-mail. « Je peux lui dire plus de choses qu’un étranger et il n’y a pas de transaction, car nous sommes mère-fille. »

Camerawork était une autre décision de jour en jour. Connaissant les routines de sa mère, Mme Chehab pouvait la filmer naturellement à la volée, mais elle pouvait aussi s’adapter à des moments inattendus, comme lorsque Mme Khodr allait à une lecture de poésie ou recevait une visite dramatique.

L’intimité domestique exigeait des considérations particulières. Lorsque Mme Khodr ne portait pas son hijab, Mme Chehab a cadré la photo pour éviter de montrer ses cheveux. Elle a également intégré les commentaires d’un ami pour montrer à sa mère à l’extérieur de la maison son travail de professeur.

Mme Khodr a déclaré qu’au début, elle avait participé au soutien de sa fille. Mais ensuite, le film l’a changée, comme on la voit s’exprimer dans le documentaire fini.

« C’était une façon pour moi de découvrir certaines couches en moi qui étaient cachées », a-t-elle déclaré dans son e-mail. « Cela m’a vraiment aidé à devenir réel. »