Le tout premier Gaming Prom montrera au monde que la musique des jeux vidéo est bien plus que des bips et des bloops
Les jeux vidéo sont l’une des grandes formes d’art de notre ère de la machine. Mais au milieu des visuels époustouflants, des intrigues épiques et des contrôleurs vibrants, l’importance de la musique est trop souvent négligée. Il est au cœur de l’expérience – de manière passionnante et aussi curative. Et personne ne le sait mieux que le compositeur Cee Haines.
Quand Haines était à l’université, ils ont été réveillés par un cambrioleur rampant dans leur dortoir universitaire. L’expérience a été traumatisante, et au fil des semaines et des mois qui ont suivi, à la recherche de réconfort, ils se sont tournés vers l’aventure fantastique Bastion. S’il s’est avéré être une telle bouée de sauvetage, c’est en grande partie grâce à sa bande-son : un mélange envoûtant de folk, d’électro et de guitare spaghetti western. « Cela vous entraîne dans un monde », se souviennent-ils. « C’est ce dont j’avais besoin. Cela a sauvé mon âme à ce moment-là.
Dix ans plus tard, Haines, qui n’est pas binaire, a continué à composer les bandes sonores de jeux indépendants tels que L’Etrange histoire de Timmy McRover. Ils font partie des musiciens qui se réuniront pour célébrer l’art de la partition de jeux vidéo au Royal Albert Hall, qui accueille aujourd’hui le tout premier Gaming Prom, preuve supplémentaire que la musique de jeux vidéo reçoit enfin son dû. Sous-titré « From 8-Bit To Infinity », l’événement promet une ruée vers l’or de la nostalgie pixélisée. Il y aura de la musique de titres emblématiques tels que LA légende de Zelda, L’ombre du colosse et Final Fantasy VIIIsous la direction de Robert Ames, co-directeur artistique du London Contemporary Orchestra.
Le Gaming Prom est également la confirmation que la musique de jeu vidéo a parcouru un long chemin depuis les jours de gloire du ZX Spectrum ou de l’Amstrad CPC joyeusement trapu d’Alan Sugar. Dans les années 1980 sombres et lointaines, même les plus gros succès de logiciels étaient accompagnés d’un assaut de bips, de bloops et de bruits de péter vaguement troublants. Mais aujourd’hui, la musique est au cœur de l’expérience de jeu. Et cela est vrai, que vous jouiez à un remplisseur de temps mousseux sur votre téléphone ou que vous vous installiez devant un blockbuster tel que Anneau d’Elden.
Au Royal Albert Hall, la contribution de Haines sera une réinterprétation du matériel de Pokémon, Ecco le dauphin et Secret de mana.
« C’est une adaptation pour grand orchestre », disent-ils. Des instruments tels que le hautbois seront filtrés par traitement audio pour évoquer cette qualité essentielle de console de jeu. « Vous ne voulez pas complètement négliger les tonalités électroniques. »
La musique est au cœur de l’expérience de jeu depuis que la technologie a permis aux concepteurs d’intégrer des partitions raisonnablement complexes. C’est plus vrai que jamais aujourd’hui. Joueurs du titre le plus vendu de l’année, Anneau d’Elden, vous dira que le bruit ambiant inquiétant qui accompagne les premiers niveaux de Limgrave est essentiel au ton menaçant du jeu. Dans la récente aventure post-apocalyptique Stray, une partition post-rock effrayante de Yann Van Der Cruyssen renforce également les vibrations dystopiques.
« La musique de jeux vidéo n’est pas une chose », déclare Danny Kelleher, fondateur de Laced Records, qui publie des partitions de jeux sur vinyle. « Les bandes sonores classiques de WipEout étaient des collections de pistes de danse qui commençaient et s’arrêtaient. Alors que la « bande-son » de Mini Metro est complètement générative, avec de minuscules fragments musicaux déclenchés par des actions dans le jeu, de sorte que chaque jeu de chaque joueur sonne complètement différent.
La principale qualité qui distingue les partitions de jeux vidéo de la musique de film ou de télévision, dit-il, est la nécessité d’être « plus réactif ». « Les bandes sonores de jeux vidéo peuvent être vivantes pour le joueur d’une manière que les autres bandes sonores de médias ne le sont pas. »
Il donne comme exemple le joueur de rôle fantastique Les âmes du démon, qui a été réédité, avec une nouvelle bande originale, pour la Playstation 5 en 2019. Demon’s Souls est une aventure d’épées et de sorcellerie doom qui, sur le papier, se lit comme la réponse console à Game of Thrones. Pourtant, l’approche de la musique est totalement différente.
« Demon’s Souls est en fait remarquable pour son manque de musique, avec seulement le menu de démarrage, la zone centrale et des combats de boss peu fréquents et des scènes coupées très rares », explique Kelleher.
« La musique est là pour réconforter ou intimider le joueur uniquement à des moments clés de son voyage, plutôt que de le masser constamment émotionnellement comme il le fait. Jeu des trônes téléspectateur. Le genre peut être de la haute fantaisie pour les deux. Mais c’est une relation contextuelle totalement différente en termes de personne divertie et de musique – le joueur actif contre le spectateur passif de l’émission – donc le compositeur a un travail très différent.
L’écriture pour les jeux vidéo diffère énormément de la composition pour la télévision ou le cinéma, convient Paul Wolinski, dont le groupe post-rock de Sheffield 69 Days of Static a écrit la partition du hit space opera de 2016 Le ciel de No Man (qui est récemment sorti sur Nintendo Switch).
« Peu importe combien de fois vous les regardez, ils [film and TV] vont être de la même longueur et faire la même chose. La bande sonore d’une œuvre fixe comme celle-ci signifie que vous pouvez composer de manière traditionnelle, linéaire. En revanche, toute lecture donnée d’un jeu vidéo sera différente. Le joueur a toutes sortes d’agences. Toutes sortes de combinaisons et de cas extrêmes doivent être pensés. La musique doit pouvoir changer d’humeur ou de vitesse à tout moment. C’est un espace de travail passionnant – cela nous a obligés à déconstruire toutes les façons dont nous les composions et à les reconstruire de manière plus liquide.
Une bonne bande-son peut façonner la façon dont le joueur interagit avec le jeu. Et cela peut potentiellement le rendre plus jouable – ou même augmenter ses qualités addictives. « Même quelque chose comme Tetris – la musique est si importante », déclare Cee Haines. « Le fait que cela devienne plus rapide à mesure que le jeu s’accélère – cela vous aide à vous mettre dans le rythme. Et vous amène en quelque sorte dans cet espace où vous êtes « Jedi maîtrisant » le jeu. »
Avec plus de jeux publiés que jamais, il y a aussi une demande croissante de compositeurs. « Le Royaume-Uni est l’un des plus grands marchés de jeux au monde », déclare le Dr Jo Twist, directeur général d’Ukie, l’association de UK Interactive Entertainment. « Il est en plein essor et a de la place pour se développer davantage. Il y a aussi un intérêt plus large pour les bandes sonores de jeux.
Le profil croissant de la musique de jeu se reflète dans le marché en plein essor des bandes sonores en vinyle. Entrez dans n’importe quel magasin de disques aujourd’hui et vous pourrez sortir avec la partition vinyle de Demon’s Souls, Ghost of Tsushima ou Sable (une partition folklorique du célèbre artiste indépendant Japanese Breakfast). Les fans de l’ancien titre de Legend of Zelda Skyward Sword, quant à eux, sont prêts à débourser 70 £ pour la bande originale officielle, répartie sur cinq CD.
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C’est, en partie, un témoignage de la puissance de la nostalgie. Quel joueur de la génération Y ne ressent pas de picotements lorsque le « thème de l’île de Yoshi » de Super Mario World 2 fait son apparition ? Mais de nombreuses partitions populaires sont toutes nouvelles. Bonne chance pour mettre la main sur la bande originale du vinyle Elden Ring – l’édition limitée de huit disques, au prix de 120 £, épuisée en un clin d’œil.
« Il y a plusieurs raisons pour lesquelles les fans aiment les vinyles de jeux vidéo », explique Danny Kelleher. « Certains ont des souvenirs de certains jeux et veulent célébrer cela avec un bel objet physique, autant qu’en écoutant la musique du jeu sur un format audio riche. La musique du jeu est une passerelle vers les souvenirs des fans, et l’emballage en vinyle – s’il est bien fait – est une manifestation visuelle de leur amour pour un jeu ou une franchise.
« Ensuite, il y a les fans de musique qui achètent avec ferveur des vinyles pour des jeux nouveaux et anciens parce qu’ils aiment une bande originale, un compositeur ou une compilation de différents styles musicaux. Parfois, les fans récupèrent le vinyle même s’ils n’ont jamais joué au jeu. Ce sont autant des musos que des joueurs, et il y a une grande communauté parmi eux.
L’autre leçon est que la musique de jeu vidéo est désormais une forme d’art respectée. Et au Gaming Prom, le genre sera célébré dans toute sa splendeur aux multiples facettes.
« Les jeux font plus d’argent que les films de nos jours », déclare Paul Wolinsky de 69 Days of Static. « Tous les aspects des jeux vidéo sont pris plus au sérieux qu’il y a quelques décennies. »
Un Gaming Prom dédié est une indication du chemin parcouru par la musique de jeux vidéo. Cela suggère qu’une forme d’art autrefois souterraine est sur le point de se généraliser. Sous-estimés et négligés pendant des décennies, peut-être que les bips sont enfin sur le point d’hériter de la terre.
Le Gaming Prom a lieu au Royal Albert Hall, le lundi 1er août à 19h30. Achetez vos billets ici