Le monde de Mary Frank exposé au musée Dorsky

«Mary Frank: The Observing Heart», une élégante étude de l’œuvre de peintures, sculptures, estampes, dessins et affiches de l’artiste de 89 ans au Dorsky Museum of Art de SUNY New Paltz jusqu’au 17 juillet, s’étend sur des décennies, mais l’exposition n’est pas tant une rétrospective qu’une promenade dans un monde imaginaire dont les récits sur la souffrance humaine, l’amour, la perte, la peur et d’autres aspects de la condition humaine résonnent avec les angoisses et les peurs du moment. Le langage pictural de Frank se compose de figures archétypales nues ou vêtues juxtaposées dans certains cas avec des visages et des têtes menaçants ou des créatures mythologiques. Ils bougent et gesticulent avec la grâce des danseurs, et avec des formes de plantes, d’oiseaux et d’animaux et des fragments architecturaux, ils habitent des paysages austères et élémentaires avec des précipices rocheux et des mers turbulentes. L’imagerie suggère des iconographies anciennes, qui parlent à l’universel – un effet renforcé par la texture rugueuse de la peinture et la palette de rouges, de noirs et de gris terreux, comme si les œuvres n’étaient pas peintes sur du carton ou des panneaux de bois, mais sur les murs de une caverne. L’approche intuitive de Frank en matière de création artistique, qui s’étend à la peinture sur un champignon, au « dessin avec la lumière » en découpant des incisions dans un morceau de papier avec des ciseaux qui est ensuite suspendu dans une fenêtre, et en positionnant une silhouette découpée d’une tête ou d’un figure sur un morceau de bois carbonisé ou une feuille verte pour créer une image d’une originalité surprenante – une inventivité qui rappelle Picasso – s’est enrichie au fil des ans alors qu’elle recycle ses peintures et ses petites sculptures en de nouvelles œuvres d’art et développe ses thèmes. Le résultat est une cohérence et une régularité étonnantes, une totalité de vision indifférente aux questions de style. « Le plaisir d’une bonne exposition est de vraiment se connecter avec les spectateurs et de leur donner une expérience qu’ils n’ont peut-être jamais vécue auparavant, qui a un sens réel, plutôt que de faire une déclaration », a récemment déclaré Frank lors d’une conversation téléphonique. « Espérons que c’est celui qui les amène à l’action » – un impératif pour Frank elle-même, dont l’activisme pour de nombreuses causes s’est concentré au cours des deux dernières décennies sur Solar Cookers International, une organisation qui distribue des cuiseurs solaires dans le monde en développement.

L’œuvre la plus ancienne est une sculpture sur bois d’un personnage, intitulée Femme ailée, qui date de 1958, lorsque Frank était une jeune mère vivant à Greenwich Village qui faisait ses débuts en tant qu’artiste. (Elle est née à Londres, a déménagé à New York avec sa mère à l’âge de sept ans pour échapper au Blitz, a étudié avec Martha Graham au lycée et a épousé le photographe Robert Frank à l’âge de 17 ans, une union qui a ensuite conduit au divorce et à Frank’s lutte pour subvenir aux besoins de ses deux enfants tout en se consacrant à l’art.) Sa première exposition était de ces sculptures en bois sculpté au début des années 1960; Fait révélateur, son influence n’était pas les expressionnistes abstraits avec lesquels elle a côtoyé, mais les sculptures égyptiennes antiques qu’elle a vues au Met.

Les grandes peintures sur les murs de la galerie, qui peuvent être grossièrement classées comme des étendues sauvages hurlantes à la Blake engloutissant des figures humaines et des animaux et des compositions plus sombres et totémiques dans lesquelles une série de tableaux narratifs miniatures sont disposés comme des pictogrammes dans une grille grossière, sont complété par de nombreuses sculptures, la plupart en terre cuite et représentant des personnages allongés ou dansants, des nus à cheval et de grosses têtes. Les sculptures datent de la fin des années 1960, 1970 et 1980 (et sont considérées par beaucoup comme représentant l’apogée de la carrière de Frank), qui ont été suivies par les peintures à partir des années 1990. Un nombre surprenant de peintures, cependant, ont été réalisées au cours des quatre dernières années – des œuvres fortes montrant une artiste encore à son apogée (ou, comme l’écrit le conservateur David Hornung dans l’essai du catalogue, « en plein vol »). Leurs récits suggestifs, dans lesquels de petites figures nues flottent, nagent, sautent, courent, s’accroupissent ou lèvent les mains de désespoir ou d’extase dans les profondeurs des vagues semblables à des tsunamis ou des tourbillons cosmiques, qui menacent d’emporter toute l’histoire humaine, parlent puissamment à la situation difficile d’un monde au bord de l’écocide; les rouges ardents et les noirs sauvages semblent aborder, avec prévoyance, l’horreur de la guerre qui sème maintenant la mort et la destruction en Ukraine et pourrait éventuellement engloutir la planète. L’Arcadie a déserté les baigneurs de Picasso et de Matisse, qui se retrouvent désormais plongés dans le chaos. Les guides spirituels humains ou animaux, les transports par bateaux ou chevaux, et les sauts d’échelle entre les formes, qui suggèrent à la fois l’enfermement et le vaste espace, l’intimité et l’isolement, suggèrent des états de conscience et de transformation, mais dans une grande partie des travaux récents, en particulier, il ne fait aucun doute que l’enjeu est la survie.

Parmi les plus puissantes de ces œuvres figure Traduction des cris d’oiseaux, de 2018-19, dans lequel la nature est littéralement représentée par une grande feuille collée, une forme en éventail dont la surface est recouverte d’entrelacs complexes, qui est consumée par des flammes s’élevant d’un précipice rocheux dans le coin inférieur gauche ; l’atmosphère rougeâtre, déchirée de fumée blanche, les fragments de labyrinthes qui s’éloignent, suggérant des civilisations brisées, et la forme sombre et plongeante d’une femme essayant de s’échapper, transmettent un puissant sentiment de cataclysme. Ce qui aurait pu être considéré dans le passé principalement comme des métaphores de la condition humaine a maintenant une urgence effrayante, alors même que Frank offre des images d’espoir – par exemple, l’oiseau blanc dont les larges ailes relevées s’étendent hors de la toile, suggérant le réconfort et la protection, même car sa visière entrouverte pourrait aussi signaler l’alarme ; de telles ambiguïtés et doubles sens sont caractéristiques du travail de Frank.

Les sculptures en argile explorent ces idées par des moyens plus purement formels. Les formes tridimensionnelles de ses personnages, chevaux et têtes sont conçues comme des volumes creux fragmentés et s’étendant dans l’espace. Dans Cheval et Cavalier, une figure nue allongée, les jambes coupées au niveau des genoux, lève une main vers sa fesse, comme pour se stimuler, et non les deux moitiés du cheval, que son corps relie, vers l’avant. Le cheval tronqué est en plein galop, surmontant des plis d’argile ondulants, semblables à du tissu, qui décrivent son élan vers l’avant; la masse est subsumée à l’énergie, comme l’argile est utilisée pour dématérialiser l’animal solide en force motrice. Frank utilise également l’argile pour décrire le mouvement des corps et des robes tourbillonnantes dans le Trois danseursun groupement qui rappelle celui de Rodin Bourgeois de Calais. Sa conception est lyrique, plutôt que l’approche géométrique et analytique des cubistes, et l’effet est d’une grâce ineffable. Tête de nuitune grosse tête tranchée par le milieu pour révéler une peinture d’une figure bleue traversant deux plans ouverts comme les pages d’un livre, suggère ingénument la tête comme génératrice de rêves, d’une conscience qui déborde de ses limites physiques.

Sculpter l’argile a permis à Frank d’interpréter la fluidité de ses formes actives en les concevant comme des fragments d’un tout, résultant en une flexibilité d’exécution et de sens. Ses personnages allongés, par exemple, suggèrent à la fois un repos mortifère et une énergie renaissante. Composées de pièces en céramique cuites séparément puis assemblées sur le sol nu, ces œuvres emblématiques de pathos et de jeu, dans lesquelles l’imagination du spectateur remplit les espaces entre les formes, ont évolué à partir de la limitation de l’utilisation d’un four trop petit pour cuire un figure entière, a noté l’artiste. « J’ai fait une tête en argile puis j’ai décidé de continuer le corps, qui devait être en morceaux. J’ai aimé faire dix pattes, qu’on peut déplacer et qui étaient toutes différentes. Un bras pourrait être comme une aile ou une bande. Cela m’a donné une énorme liberté. » (Une de ces pièces de gisant dans le spectacle, Amoureuxest en fait du bronze, coulé à partir de la sculpture originale en argile.)

Une telle improvisation, qui englobe l’utilisation du collage dans ses pièces bidimensionnelles pour incorporer une variété de médiums et de matériaux, tels que des pierres, des feuilles, des brindilles et d’autres matériaux naturels, est la clé de son processus, qui est celui de la découverte. Cette quête insuffle à son travail une fraîcheur de vision dont les impulsions contradictoires et les significations centrales engagent et défient à leur tour le spectateur.

La touche curatoriale sensible de Hornung, un artiste accompli lui-même, a donné lieu à un rythme fluide de peintures et de sculptures dans l’espace principal de la galerie, avec beaucoup d’espace, donnant une sensation d’expansion à l’expérience visuelle. Cela contraste avec la densité des œuvres accrochées façon salon dans l’arrière-salle, qui traduit l’intimité et les procédés de l’atelier de l’artiste. Les dessins sont le contenu brut à partir duquel les œuvres évoluent, et il est donc fascinant d’observer les nombreuses feuilles de personnages, d’animaux et d’oiseaux à l’encre, au fusain et au pastel regroupés sur le mur. Il y a aussi un mur de monotypes, chacun comme une peinture de Frank en miniature sauf avec des formes plus nettes, une belle modulation des tons, une luminosité de la couleur, et un contraste plus graphique du noir et blanc, suggérant la délicatesse du sumi japonais. art.

Il y a aussi une exposition d’impressions pigmentaires d’archives, le nom donné aux tableaux de peintures, dessins, petites sculptures, objets naturels et papier découpé assemblés comme des collages sur le sol en béton de l’atelier et photographiés par Frank, qui sont ensuite imprimés et encadré comme l’œuvre d’art. Les gravures, qui incorporent parfois de l’eau et un bocal à poissons dans leur imagerie, ont été rassemblées dans un livre intitulé Pèlerinage, avec un texte du critique d’art John Yau et un poème de Terry Tempest Williams. Il y a aussi une grande sculpture en papier mâché, intitulée Chimère, d’un lion grondant avec une tête de cerf rouge émergeant de son dos. Et enfin, il y a une exposition des affiches que Frank a conçues pour une pléthore de causes, liées à la guerre, à la justice sociale, à la destruction de l’environnement et aux problèmes des femmes (certains téléspectateurs peuvent reconnaître son affiche «Don’t Tear Families Apart» s’adressant à l’ancien président Trump. cruelle politique de séparation familiale à la frontière).

Frank a exposé dans de grands musées (son grand triptyque De quelle couleur Lament ? est prêté par le Whitney Museum of American Art) et a reçu de nombreux prix, dont deux bourses Guggenheim. Elle a illustré des livres de Peter Matthiessen et d’autres et a elle-même fait l’objet de nombreux livres. Pendant de nombreuses années, elle a été représentée par la galerie Elena Zang, située ici à Woodstock, où elle réside la moitié de l’année, et DC Moore, à New York, où elle et son mari, Leo Treitler, musicologue, écrivain et pianiste, vivre l’autre moitié. Un excellent film documentaire de John Cohen, intitulé Visions de Mary Frank, peut être visualisé sur un écran dans la galerie. « The Observing Heart » est exposé au Dorsky jusqu’au 17 juillet. Le musée est ouvert le mercredi. au dim., de 11 h à 17 h (fermé pendant les vacances de printemps du 12 au 20 mars).