Examen d’Empire of Light: cette ode aux théâtres ne vaut pas la peine d’être vue en un seul

Bien qu’il se déroule au début des années 1980 (son histoire s’étendant de « The Blues Brothers » à « Being There »), « Empire of Light », dispersé et moribond de Sam Mendes, est un film né de deux calculs simultanés mais inégaux qui ont éclaté dans le été 2020: Le mouvement Black Lives Matter et la menace existentielle pour l’avenir des salles de cinéma. En regardant ces phénomènes à travers l’objectif (pas particulièrement nostalgique) de son adolescence dans « la société n’existe pas » en Angleterre – une époque où le racisme et le cinéma prospéraient tous deux dans la culture populaire – Mendes s’efforce de raconter une petite histoire plaintive mais poignante sur le simple pouvoir de la communauté.

C’est l’histoire d’une magie où la lumière et l’obscurité s’entremêlent pour créer de la magie, et où les gens peuvent profiter du plaisir d’être entourés d’étrangers sans craindre d’être observés. Comme Nicole Kidman pourrait le dire : « Même l’ère Margaret Thatcher se sent bien dans un endroit comme celui-ci. » Aussi miséricordieux qu’il soit que « Empire of Light » s’arrête juste avant de suggérer qu’AMC pourrait être notre arme secrète dans la lutte contre le nationalisme blanc, la vision rétroprojectée de Mendes sur le monde moderne est encore trop maladroite et guindée pour offrir des idées déchirantes. de sa propre. Tout ce qu’il réussit à nous laisser, c’est une chaleureuse performance révolutionnaire de Micheal Ward, une nouvelle partition scintillante de Trent Reznor et Atticus Ross, et un clip fantastique d’Olivia Colman criant « To fuck, or not to fuck, that is the question! » tandis que la musique « Chariots of Fire » bourdonne derrière elle en arrière-plan.

Moins une ode au cinéma qu’une ode aux salles de cinéma – moins « Cinema Paradiso » que la pièce « The Flick » d’Annie Baker – « Empire of Light » évite la saveur strictement autobiographique qui a traversé la récente vague d' »histoires personnelles » de grands cinéastes. Cela n’explique pas pourquoi cette contribution à ce sous-genre adapté aux Oscars n’a pas la vulnérabilité du cœur à l’écran qui a soutenu les goûts tout aussi frustrants de « Belfast » et « Bardo », mais la décision de Mendes de ne pas construire ce film autour d’un remplaçant pour lui-même devient une expression appropriée de notre incapacité à le voir en elle.

L’histoire que Mendes choisit de raconter avec le premier scénario qu’il ait jamais écrit à partir de zéro est une romance de mai à décembre sur deux employés d’un cinéma de Margate – l’Empire – le long de la rive nord du Kent. Hilary Small (Colman) est une femme solitaire d’âge moyen qui semble y avoir travaillé pendant un certain temps. ou peut-être que le propriétaire pleurnichard de la maison de photos (Colin Firth dans le rôle de M. Ellis) a seulement fait d’elle la gérante pour qu’il ait une excuse pour l’appeler dans son bureau et exiger une branlette moins qu’enthousiaste. Hilary ne résiste pas au harcèlement sexuel pour la même raison qu’elle ne résiste à rien d’autre : le lithium qu’elle a reçu après sa sortie de l’hôpital psychiatrique l’a laissée insensible au monde.

Le nouvel employé Stephen (Ward) corrige cela à la hâte. Jeune, beau et capable d’être un grand architecte si seulement les écoles supérieures auxquelles il a postulé ne l’avaient pas rejeté pour la couleur de sa peau, Stephen est une bouteille bouchonnée d’enthousiasme non dépensé, et son sourire suffit à lui seul à faire revenir Hilary. vivre. Elle ne peut pas imaginer qu’il lui rendrait un jour ses affections, et le scénario de Mendes n’explique jamais suffisamment pourquoi il pourrait le faire.

L’écart d’âge entre ces personnages ne nécessite aucune suspension d’incrédulité, mais aucune tentative n’est faite pour expliquer ce qui attire Stephen vers un collègue qui est triste et sévère même dans les scènes hokey destinées à établir une attraction mutuelle (ils trouvent un oiseau dans les étages supérieurs fermés du cinéma et lier son aile brisée). Leur premier baiser survient quelques heures après qu’Hilary a critiqué Stephen pour s’être cruellement moqué d’un client dans son dos.

Il est finalement sous-entendu que les collègues se lient autour d’un sentiment de honte partagé, car chacun d’eux est rabaissé à sa manière, mais Mendes laisse ses excellents acteurs principaux saisir les pailles offertes par son scénario inégal. Même les moments les plus tendres entre eux sont défaits par des manifestations assez larges de maladie mentale et / ou des illustrations maladroites des attitudes racistes qui illustrent la brève affaire de Stephen et Hilary. Le premier sonne faux malgré la volatilité palpable de la rage de Colman, tandis que le second – contextualisé par les émeutes de Brixton et l’émergence du Front national – est exclusivement vu à travers les yeux d’une femme blanche inconsciente qui est aussi insensible au monde qu’elle l’est à se. Même en 1981, la scène où Hilary achète à Stephen un album bicolore parce que « des enfants noirs et des enfants blancs qui se retrouvent, c’est normal » aurait atterri comme un ballon de plomb.

Le seul personnage convaincant dans « Empire of Light » est l’Empire lui-même, que l’équipe de production de Mendes a recréé à partir de la ferraille de sa mémoire avec un amour palpable et une attention immaculée aux détails. Alors que ce n’est que vers la toute fin que nous pouvons regarder une partie d’un film depuis l’intérieur de l’un des somptueux auditoriums du théâtre (un acte sadique de rétention destiné à refléter le propre désintérêt d’Hilary pour ce qui se passe sur son lieu de travail), même le hall de l’Empire est efficace comme une machine à voyager dans le temps.

La magie commence avec le chapiteau brillamment éclairé à l’extérieur et se poursuit jusqu’au stand de concession et le long des tapis de velours rouge avant de culminer dans la cabine de projection où un homme capricieux appelé Norman (le toujours fiable Toby Jones) fait fonctionner les énormes pièces de machines qui donner vie aux rêves. La caméra de Roger Deakins n’est peut-être pas habituée à de telles vues quotidiennes, mais elle prodigue la même attention aux coulisses et aux grands écrans de ce palais du cinéma que si Hilary et Stephen étaient des James Bonds ou des Blade Runners.

Tout compte fait, l’Empire semble être un excellent endroit pour voir un film, surtout si ce n’était pas celui-ci. L’intrigue secondaire la plus amusante au milieu de cette histoire trop distraite implique les efforts de M. Ellis, à la manière de Dwight Schrute, pour mettre en scène la « première de gala régionale » de « Chariots of Fire », un spectacle qui fait grincer des dents qui se termine par un peu de poésie empruntée dans un film qui peine à générer tout autre genre.

« Empire of Light » avance par à-coups maladroits, menaçant parfois de se regrouper en quelque chose de plus grand que ses parties avant de finalement s’effondrer sous son propre poids au moment exact où le monde réel se déverse dans le royaume sacré du cinéma. Mendes a du mal à visualiser comment l’un pourrait exister dans l’autre, ce qui pourrait aider à expliquer pourquoi ses meilleurs films (« Road to Perdition », « Skyfall ») ont été si exacerbés et désireux de laisser la réalité derrière eux. « Empire of Light » peut se considérer comme une ode à la communauté, mais il ne se sent honnête que lorsqu’il célèbre les films pour leur évasion. Comme c’est étrange et révélateur que lorsque nous voyons enfin quelqu’un regarder un film à l’Empire, il le regarde seul.

C’est merveilleux que Mendes ait passé la pandémie à faire un film sur la vitalité irremplaçable des salles de cinéma – allant même jusqu’à les peindre comme l’une des dernières ficelles de ce qui reste de notre tissu social. Cela aurait été encore mieux s’il passait la pandémie à faire un film qui vaut la peine d’être vu en un.

Note : C-

« Empire of Light » a été présenté en première au Telluride Film Festival 2022. Searchlight Pictures le sortira en salles le vendredi 9 décembre.

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