Carnet de la critique : A Cannes, un plaidoyer pour la variété du cinéma

L’un des moments les plus viraux du 75e Festival de Cannes, qui s’est terminé ce week-end avec la remise de la Palme d’Or au « Triangle de tristesse » de Ruben Ostlund, n’a pas été une glissade sur le tapis rouge ou ces avions de chasse qui a survolé la tête de Tom Cruise. C’est le réalisateur James Gray qui a argumenté de manière réfléchie sur la façon dont le cinéma grand public peut être plus que des super-héros.

Gray, qui a créé son film autobiographique sur les années 80 « Armageddon Time » à Cannes, a suscité de nombreux applaudissements pour des commentaires suggérant que les studios hollywoodiens devraient être prêts à perdre de l’argent sur des modes de réalisation de films moins basés sur la franchise pour aider à se développer, pas à se rétrécir. , le public cinéphile.

« Quelqu’un doit parler à l’autre côté », m’a dit Gray le matin après la première de « Armageddon Time ». « C’est ainsi que vous maintenez l’intérêt généralisé pour le média. Si vous vous concentrez uniquement sur une tranche et que vous le faites encore et encore, vous avez de gros problèmes. Ensuite, les gens arrêtent de penser au cinéma comme une forme d’art large avec de nombreuses itérations différentes avec de nombreuses fenêtres sur le monde.

Les fenêtres de Cannes sur le monde ne sont pas sans entraves. Le festival peut parfois sembler trop codifié dans une version masculine d’art et d’essai. Mais cela reste l’un des affichages les plus globaux et les plus passionnants des possibilités du cinéma.

En raison de son envergure et de sa position unique en tant que temple autoproclamé du cinéma, Cannes sert souvent de référendum sur le cinéma et de barricade de la Côte d’Azur contre les marées du changement. C’était particulièrement vrai cette année. Pour le 75e anniversaire, Cannes a réuni un casting de cinéastes pour débattre de l’avenir du médium. Guillermo del Toro, qui a dirigé l’effort, a déclaré que les structures cinématographiques d’aujourd’hui « ne sont pas durables ».

« Nous constatons que c’est plus que le système de livraison qui change. C’est la relation avec le public qui change », a déclaré Del Toro. « Est-ce que nous le tenons, ou est-ce que nous cherchons et sommes aventureux? »

Les questions posées par Del Toro et d’autres étaient sans aucun doute des questions importantes pour quiconque réalise ou regarde un film aujourd’hui. Mais souvent, les meilleures réponses ont été trouvées à l’écran, où le spectre du cinéma exposé était d’une ampleur enivrante. Oui, il y avait des spectacles à gros budget (« Top Gun : Maverick » de Joseph Kosinski, « Elvis » de Baz Luhrmann) qui faisaient beaucoup de bruit. Mais, contrairement au multiplex, ils n’étaient pas le seul spectacle en ville. Les grands films existaient à côté d’un chapiteau apparemment sans limites, plein de découvertes.

Il y avait le frisson imaginatif du réalisateur sud-coréen Park Chan-wook, « Decision to Leave », une histoire d’amour entourée d’une procédure policière. Il y a eu les examens sobres de «RMN» de Cristian Mungiu, un microcosme roumain de xénophobie qui se transforme en une scène de mairie puissante et un plan final lyrique dévastateur. Il y avait la mélancolie douloureuse de « One Fine Morning » de Mia Hansen-Løve, un drame parisien intime sur une mère célibataire (une magnifique Lea Seydoux) avec un père mourant qui parvient à tenir la vie et la mort, l’amour et la solitude dans la tendre paume de sa main.

Ces cinéastes ont tous déjà été à Cannes et le seront probablement à nouveau. Mais l’une des secousses les plus excitantes du festival de cette année est venue des débuts, dans la section Semaine de la critique de Cannes, de la scénariste-réalisatrice écossaise Charlotte Wells. Son « Aftersun », mettant en vedette Paul Mescal et Frankie Corio, est un conte père-fille raconté avec une telle habileté qu’il échappe à tous les clichés habituels de cette relation. S’il y a jamais eu une bonne raison d’espérer que les films aient un avenir stable, c’est l’émergence de cinéastes comme Wells.

Que des faits saillants comme « Aftersun » et « One Fine Morning » provenaient de sections latérales à Cannes, plutôt que de sa programmation principale de 21 films en compétition, était en soi un rappel que trouver les meilleures choses aujourd’hui peut nécessiter de regarder au-delà des scènes principales des films.

C’est encore plus vrai à la maison, loin du pays imaginaire de la Côte d’Azur à Cannes. Les films sont revenus dans les salles après deux ans de pandémie et, avec les perspectives des services de streaming pas aussi roses qu’elles l’étaient autrefois, le cinéma sur grand écran a un certain élan. Pourtant, les offres habituelles un samedi soir au box-office parlent plus de saturation du marché que de variété. Au cours du week-end du Memorial Day, « Top Gun: Maverick » a ouvert sur un nombre record de 4 735 écrans en Amérique du Nord.

Dans un tel environnement, quelle est l’au-delà post-Cannes pour des films qui se sont distingués en France ? Des entreprises comme A24, qui a repris « Aftersun », produit par Barry Jenkins, ainsi que le drame d’enfance « Close » de Lukas Dhont, ont trouvé de nouvelles façons d’atteindre un large public. Le studio-boutique a récemment décroché son plus grand succès avec le joyeusement original « Everything Everywhere All at Once ».

Sony Pictures Classics, qui mise sur le retour continu du public adulte dans les salles, a acquis « One Fine Morning ». Neon, qui a emmené le lauréat de la Palme d’Or 2019 « Parasite » jusqu’à la meilleure image aux Oscars, a acheté son troisième lauréat consécutif de la Palme dans « Triangle of Sadness » d’Ostlund, une satire tumultueuse pour manger les riches avec Woody Harrelson. Ostlund a décrit son film comme la fusion des sensibilités art et essai et hollywoodiennes.

Ces distributeurs espèrent qu’il y a un appétit pour quelque chose de différent de ce qui est habituellement servi dans les salles.

« L’homme ne peut pas vivre uniquement de Batman », a déclaré Luhrmann, tout en faisant l’éloge de « The Batman » de Matt Reeves.

Tom Hanks, prenant le même exemple de son réalisateur « Elvis », m’a dit que lui aussi pensait que « The Batman » était génial. Mais cela le laissa réfléchir.

« J’ai aussi dû penser: sommes-nous censés oublier tous ces autres films Batman qui sont sortis? » a demandé Hanks, qui a généralement évité les suites et les redémarrages. « Est-ce qu’ils disent vraiment : ‘Qui est ce type ?’ quand Batman entre dans la pièce ? Je sais qui est Batman. Ces gens ne savent-ils pas qui est Batman ?

« Il y a quelque chose de magnifique et le sera toujours dans le film qui se suffit à lui-même », a ajouté Hanks.

Il y avait bien d’autres films à Cannes qui se sont résolument isolés. L’un était « Showing Up » de Kelly Reichardt, le quatrième film de Reichardt avec Michelle Williams et un film particulièrement définitif pour le cinéaste indépendant de 58 ans d’indies discrets et minimalistes. Williams joue une artiste basée à Portland nommée Lizzy qui, un peu comme Reichardt, sculpte des portraits de femmes à échelle modeste, seul son médium est la céramique. Se préparant pour une petite exposition en galerie, Lizzy jongle avec diverses nuisances et distractions mais, comme Reichardt, finit par créer quelque chose de vraiment personnel et qui vaut la peine d’être montré.

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