« Blackout » de Britney Spears a documenté son présent tout en prédisant l’avenir de la pop

Nous avons tendance à ne ressentir les premiers grondements de changements sismiques majeurs dans la musique populaire que lorsqu’ils se produisent; les choses qui finissent par être les plus influentes arrivent souvent sans applaudissements, ne recevant leurs fleurs que dans les années à venir. D’autres monuments se cachent à la vue de tous – sous le couvert du bruit et de la fureur, ne signifiant rien, vient ce qui sera dupliqué à plusieurs reprises au cours des années à venir. Britney Spears a changé le paysage pop lorsque ses débuts en 1999 « …Baby One More Time » ont revitalisé la pop adolescente pour le nouveau siècle. S’il y avait un deuxième quart de travail qu’elle avait mis en branle, cela a commencé dans un club bondé à Miami vers 2006, où le producteur Danja, fraîchement sorti de la fabrication de tubes pour Nelly Furtado et Justin Timberlake, a décidé qu’il entendait le son de l’avenir du grand public sur la piste de danse.

« Je n’ai pas pensé à la ‘pop music’ en créant coupure électrique, » il a dit Le fondu pour le dixième anniversaire du cinquième album de Spears en 2017. « J’étais dans la musique dance et l’EDM à l’époque, mais ce n’était pas encore grand public. […] Tout le monde sautait sur ‘Satisfaction’ de Benny Benassi et Tiesto en transe. J’étais comme, ‘C’est ça. Si ma musique ne te fait pas ressentir ça, qu’est-ce qu’on fait ?’ Je n’ai pensé à rien d’autre qu’apporter cette essence à la culture populaire.

Il y a quinze ans, les gens n’étaient pas aussi préoccupés par la scène EDM underground grandissante qu’ils l’étaient avec Britney Spears – et pas nécessairement Britney Spears, l’interprète, mais ce qu’ils percevaient comme son effondrement inévitable, aidé par les tabloïds. Ces dernières années, nous avons suivi la découverte de son confinement sous tutelle, réalisant l’obscurité qu’elle avait endurée en tant que l’une des femmes les plus célèbres au monde. À l’époque, la plupart des critiques se concentraient sur sa lutte de plus en plus publique avec la célébrité, son divorce et un séjour en cure de désintoxication, mais Spears a laissé le venin s’infiltrer dans son effort musical le plus cohérent à ce jour, esquissant le plan pour une décennie entière de pop dans le processus.

Si les années 2001 Britney et 2004 Dans la zone était le son de Spears tentant de mûrir, mettant en scène la libération sexuelle comme d’anciennes idoles adolescentes l’ont fait avant et après elle, coupure électrique C’était la première fois qu’elle semblait vraiment dangereuse. Avec le recul, le disque a ouvert les portes du paradis (ou de l’enfer) de la dance-pop sombre et glitch pour une nouvelle race d’artistes se plongeant dans le monde du son futuriste et plus expérimental. Au cours de la décennie suivante, vous ne pouviez pas allumer une station de radio sans entendre des voix hachées et décalées sur des couches de rythmes de club déchiquetés. Il n’est pas non plus surprenant que des innovateurs hyper-pop comme Charli XCX ou des artistes R&B expérimentaux comme Tinashe aient cité l’album comme une influence clé, d’autant plus que chacun de leurs genres marginaux s’est transformé en un tarif plus adapté à la radio qu’ils ont écrit ou influencé eux-mêmes.

Les pannes d’électricité l’équipe de production et d’écriture – comprenant Danja, Keri Hilson, Kara DioGuardi, T-Pain, les Neptunes, l’embrayage et Bloodshy & Avant – a conçu quelque chose de sinistre pour contrer la pop adolescente maladive du début de carrière de Spears, sonnant sensuelle et exsangue dans une égale mesure. Si la convoitise haletante et délirante de succès hermétiques comme « Toxic », produit par Bloodshy & Avant, a jeté les bases pour que Spears devienne le frappeur le plus lourd du genre, coupure électrique est la même sensualité coincée dans un congélateur, glaciale même dans ses moments les plus crasseux.

« On nous a dit qu’elle ne voulait pas que la musique imite sa vie personnelle », se souvient Hilson de son temps à travailler principalement avec Danja, ainsi qu’avec les producteurs Mme Lago et Jim Beanz, sur trois des morceaux de l’album,  » alors nous avons pensé, ‘OK, alors créons un monde fantastique dans lequel elle serait heureuse.’  » au centre de la tête de l’auditeur. Ce cri de guerre donne un coup de pied à l’innocence de « Oops!… I Did it Again » directement dans les dents.

Une décennie entière avant que d’autres mavens de la pop ne prétendent que leur « ancien » moi était « mort », Spears a organisé une soirée extraterrestre élaborée à son réveil avec le morceau d’ouverture « Gimme More » servant de chanson d’entrée. Apparemment, le clip vidéo original de la chanson présentait même Spears organisant des funérailles pour la «vieille Britney», bien que seul l’audio de la version «intro funéraire» existe toujours en ligne. Alors que les lamentations demandent « plus! » guidez-vous dans l’anneau central, il y a toujours un sentiment distinct que la lumière au néon dure est construite pour bloquer les flashs qui éclatent à travers les haies à l’extérieur du studio. Quand Spears gémit : « Ils en veulent plus ? / Ensuite, je leur en donnerai plus », cela ressemble plus à une raillerie qu’à une véritable comédie. Livrée dans sa moue rauque caractéristique, elle joue autant la menace que la tentatrice, faisant un clin d’œil au chaos médiatique qui l’entoure contre son gré. Même avec la règle selon laquelle la vie personnelle de Spears devait rester en dehors de la musique, la réalité ne peut s’empêcher de saigner dans l’obscurité de la fête synthétique.

Ailleurs, le single « Break the Ice » ressemble à une libération de chaleur calculée de la même manière au milieu de la production glacée, claquant sur les pauses à mi-chemin pour se plonger dans une pause dansante inspirée de Janet Jackson. Des échantillons vocaux de chorale éparpillés partout font que l’affaire ressemble plus à une seconde venue céleste qu’à une histoire de séduction douce, interrompant la boucle insulaire du crochet avec des éclairs étranges d’intervention divine. Atteignant des extrêmes comparables, « Toy Soldier » plus profond voit Spears et Danja s’immerger complètement dans la sleaze alors que tous deux râlent sur la légèreté relative des synthés sur la pointe des pieds imitant les cordes pincées. Cela semble plus agressif que Spears ne l’avait jamais été, avec les gémissements de la fêtarde du refrain qui grincent magnifiquement contre le rythme dur et structuré. Du groove fantasmagorique et marécageux de « Freakshow » aux chœurs bancaux de « Hot as Ice » et aux synthés martelants de « Perfect Lover », il y a toujours un sentiment de malaise sous des paroles apparemment anodines, ne vous laissant jamais complètement vous installer dans votre stand dans le club de Les pannes d’électricité création.

Il y a des points où le personnel s’insinue au-delà de toute suggestion, mais seulement lorsque Spears a suffisamment aimé la chanson. Ce fut le cas avec « Piece of Me », dirigé par Bloodshy & Avant, avec son accompagnement électroclash déformé, ses paroles de baiser et son crochet haletant qui ressemble à juste titre à une voix étranglée. « Je suis Miss American Dream depuis que j’ai 17 ans », chante-t-elle sur une mélodie staccato coupée, sonnant délibérément robotique dans sa livraison. C’est comme si la vraie Britney savait qu’un remplaçant artificiel pourrait prendre sa place et que le public ne le remarquerait pas, il suffit de lui enfoncer son objectif en prévision de la prochaine scène qu’elle fera. Lorsque la ligne est répétée plus tard, elle est déformée presque au-delà de la reconnaissance, posant comme si « Mme. Oh-mon-Dieu-que-Britney est sans vergogne » est le véritable monstre de chair et de sang de Frankenstein aux côtés de Spears.

Au centre littéral et thématique de l’album se trouve la représentation la plus claire du paradis et de l’enfer qui se heurtent sur le même dancefloor, le divisant au milieu avec l’euphorie Eurodisco de « Heaven on Earth » et l’effondrement déformé de « Get Naked (I Got a Plan) ”. Là où le premier scintille dans les lumières de la boule à facettes alors que ses lignes vocales qui se chevauchent deviennent de plus en plus étourdies dans leur engouement, ce dernier retourne l’auditeur vers son homologue de la pègre, laissant le crochet bas de Danja déformer suffisamment les choses pour donner l’impression que la piste elle-même est en état d’ébriété. Il y a des moments où Spears ressemble à un extraterrestre essayant d’imiter la sexualité humaine, répétant chaque refrain avec une telle conviction manifeste et droguée que cela semble presque satirique – ou involontairement déconcertant, notamment à la lumière de la façon dont Spears aurait été maltraité dans les années qui ont suivi. Même dans le tourbillon chaotique, chaque section ou crochet arrive dans des sections précises, délibérément dépourvues de cœur ou de sentiment dans sa chasse pour créer une réalité différente pour Spears – une où sa seule préoccupation est de danser sous les lumières plutôt que le monde lui souffle dans le cou. .

Si un morceau laisse Spears devenir vulnérable d’une manière qui défie le reste de l’album, c’est le morceau de clôture, « Why Should I Be Sad » écrit par Pharell et produit par Neptunes. Des paroles réfléchissantes et des synthés chauds et gonflés peignent une supercoupe remplie de regrets de la relation publique et de la rupture de Spears, laissant enfin la couleur revenir sur ses joues après avoir joué le mort pendant le reste de la durée de l’album. « Il est temps pour moi d’avancer / Il est temps pour moi de m’y mettre / J’en ai marre de chanter des chansons tristes », insiste-t-elle, trouvant enfin une impulsion sur des cordes soutenues avant que la voix de Pharrell ne passe avec un « Britney, allons-y ! » dans chaque refrain. Cela ressemble à une gifle froide de la réalité – ou peut-être un rappel que cette n’est pas l’album et qu’il est temps de nous replonger dans le monde fantastique coupure électrique crée.

Avec le recul, cela ressemble presque à un claquement de porte distinct derrière une pop star que nous ne reverrions plus jamais sous le même jour. Bien que les albums suivants aient réintroduit un son plus immédiat et commercialisable pour revitaliser la carrière de SpSpears, ils ont également marqué le début de son isolement en tant qu’obscurité très réelle manifestée à huis clos. Le club dément de Spears et les rêves de ses collaborateurs puisaient dans l’obscurité de sa vie à ce moment-là, mais ils ne pouvaient pas connaître les parallèles que nous avons établis rétrospectivement – à la fois en termes d’espace créé pour une musique plus étrange dans les charts et la ligne directrice de l’album d’une femme exclue du monde réel, feignant la performance jusqu’à ce qu’elle n’ait plus du tout d’autonomie.

Dans ce sens, Les pannes d’électricitéegacy a fonctionné en deux temps : là où Spears, ses réalisations et l’injustice à laquelle elle a été confrontée ont fait que ses œuvres les plus célèbres apparaissent régulièrement dans les conversations des médias musicaux (et des médias sociaux), elle est également continuellement référencée dans la frontière actuelle de la pop. En tirant du sous-sol, coupure électrique infiltré la prochaine génération d’écrivains et de producteurs d’une manière qui a de nouveau atteint la surface du grand public. Si, à l’époque, cela ressemblait à une déclaration provocante d’un artiste qui avait joué le système jusque-là, cela semble encore plus radical maintenant (et à peine moins choquant, simplement parce que tout ce que nous entendons lui a emprunté, souvent avec résultats moins intéressants). Ce n’est peut-être pas l’album définitif de Britney Spears, mais il est contesté comme son effort le plus fort, démêlant le mythe de la princesse de la pop en faisant d’elle une survivante d’un passé déchirant, écrivant toujours l’avenir meilleur de la musique.