Sept films oubliés par les Oscars du « meilleur film » – The Cavalier Daily

La 95e cérémonie annuelle des Oscars – qui a été diffusée dimanche dernier – a mis en lumière un éventail de grands films, dont chacun variait énormément dans le ton et le genre. Alors que la programmation de la catégorie vénérée «Meilleur film» comportait de nombreuses nominations honorables comme «Tár» et «The Fabelmans» – deux des meilleurs films absolus de l’année dernière – plusieurs films n’ont pas été reconnus par l’Académie comme faisant partie de la crème de La récolte de 2022. Cette liste comprend sept films oubliés qui méritent un clin d’œil.

7. « Blonde »

« Blonde », le biopic Marilyn Monroe fortement fictif et controversé du réalisateur Andrew Dominik, est un film d’une ambition désordonnée attachante et d’une atmosphère de malaise quasi constant. Retraçant la vie tragique de la starlette de l’enfance à la mort, le film évite presque entièrement les aperçus de la vitalité et de l’intellect de la défunte actrice, une approche unidimensionnelle qui a donné au film une certaine dérision en tant qu’objet soi-disant historique et biopic féministe.

Dominik décrit plutôt le film comme une procession de près de trois heures d’abus et d’exploitation du protagoniste. Bien que les mauvais traitements graphiques soient souvent difficiles à supporter, l’intrigue s’engage pleinement à communiquer les émotions intenses qui accompagnent le fait d’être utilisé et abusé par le hachoir à viande patriarcal des années 1950 à Hollywood.

Bien que cette approche ait naturellement aliéné de nombreux critiques et membres du public, il y a un énorme pouvoir émotionnel dans le film si on le rencontre à son niveau. Le film possède également l’une des meilleures partitions musicales de l’année dernière, gracieuseté de Nick Cave et Warren Ellis.

6. « Ambulances »

Les voitures écrasent les autres voitures. Des fusillades assourdissantes se déroulent dans les rues de Los Angeles, transformant les centres d’affaires en champs de bataille de guerre urbaine. Une intervention chirurgicale est pratiquée dans un véhicule roulant à grande vitesse. Les drones capturent le chaos dans de grands mouvements de caméra. Le personnage de Jake Gyllenhaal crie à propos de son herpès. Des moments comme ceux-ci sont jonchés partout dans « Ambulance », le nouveau film d’action exaltant du réalisateur Michael Bay.

La majorité du film relate une longue poursuite en voiture, alors que les forces de l’ordre de Los Angeles poursuivent deux voleurs de banque – joués par Yahya Abdul-Mateen II et Gyllenhaal – qui fuient tous deux un braquage de banque raté dans une ambulance volée.

Il n’y a pas grand-chose de plus dans le récit, qui est principalement un mince pré-texte dans la poursuite de décors d’action passionnants. Mais lorsque l’action est aussi palpitante et audacieuse qu’ici, il n’y a aucune raison de se plaindre. Comme si le film n’était pas assez fou, Gyllenhaal encourage tout le chaos avec une performance de soutien délicieusement exagérée. C’est une explosion totale.

5. « Nous allons tous à l’exposition universelle »

Il peut être difficile d’expliquer l’attrait intangible de « Nous allons tous à l’Exposition universelle », qui est si fortement lié à l’ambiance étrange qu’il évoque. Le réalisateur, qui s’abstient la plupart du temps de la forme narrative conventionnelle, utilise une atmosphère dystopique incroyablement troublante pour capturer l’isolement surréaliste d’une vie passée presque entièrement sur Internet.

Le film d’horreur étrange – livré par la réalisatrice montante Jane Schoenbrun – suit Casey, un adolescent solitaire qui se retrouve immergé dans un «World’s Fair Challenge» viral, un jeu d’horreur virtuel menaçant et décalé.

La terreur métaphysique devient particulièrement aiguë lorsque ce jeu commence à se croiser avec son propre état physique et mental de manière désorientante. Le film résiste avec tact aux explications simples et jette un sort obsédant qui persiste longtemps après le générique de fin.

4. « Non »

Même si le réalisateur Jordan Peele n’a pas encore récupéré l’accueil critique de son premier long métrage acclamé à juste titre – le « Get Out » instantanément emblématique – il continue de s’améliorer en tant que cinéaste à chaque sortie ultérieure.

Le dernier film de Peele, le film d’horreur de science-fiction « Nope », est de loin son meilleur long métrage à ce jour. En suivant une sœur et un frère – joués par Keke Palmer et Daniel Kaluuya – qui commencent à remarquer une activité extraterrestre malveillante dans leur ranch californien isolé, le film suit les tentatives des frères et sœurs d’être les premiers à documenter des preuves de la créature extraterrestre.

Le film jongle sans effort avec les tons, se penchant sur un sentiment de menace d’un autre monde dans sa construction prolongée avant de passer à une aventure plus enjouée dans son dernier tiers. Mais à travers tout cela, la maîtrise complète de l’atmosphère de Peele rend le voyage toujours passionnant et parfois terrifiant. Il réussit à merveille en tant que tarif de genre passionnant, tout en se livrant à des digressions audacieuses qui donnent au film une saveur tout à fait unique.

3. « EO »

Alors que le dernier film de l’auteur acclamé Jerzy Skolimowski « EO » est un remake lâche de « Au Hasard Balthazar » – une tragédie française de 1966 du réalisateur Robert Bresson – il offre des sensations qui semblent entièrement nouvelles. Suivant les voyages du titulaire EO, un âne errant errant dans la campagne européenne, le film est un exercice saisissant de subjectivité.

Vus à travers les yeux de notre animal central, les images et les sons banals semblent à nouveau entièrement nouveaux, la faune rurale prenant le sentiment d’organismes presque d’un autre monde. Le crépitement des tirs de braconnage est tout à fait déstabilisant. Les images d’un drone à quatre pattes ressemblent à une vision d’un avenir lointain. Aucun film de l’année dernière n’a offert des plaisirs visuels et auditifs aussi distincts, tout en construisant une fin qui reste dévastatrice malgré son caractère inévitable.

2. « L’heure d’Armageddon »

James Gray – le brillant réalisateur derrière « The Immigrant » et « The Lost City of Z » – semble avoir le don d’être habituellement sous-estimé. Il a maintenu la séquence en vie avec « Armageddon Time », une méditation incroyablement obsédante sur la race et la classe dans le New York des années 1980 qui est passée honteusement inaperçue auprès du grand public.

Le film encadre sa critique pointue du racisme américain à travers l’amitié entre Paul – un garçon juif de la classe moyenne – et son camarade de classe noir beaucoup plus pauvre, Johnny.

Après que les garçons ont été surpris en train de fumer de la marijuana dans les toilettes de leur école publique, leur relation a du mal à survivre alors que Paul est transféré dans une école privée chic et presque forcé de s’assimiler aux échelons supérieurs de la société blanche de New York. Le contraste entre leurs circonstances économiques et sociales devient encore plus prononcé à mesure que le récit progresse.

Le film est naturellement indigné des circonstances imposées aux protagonistes, mais jamais au détriment de la nuance dramatique qui définit le travail de Gray. C’est un film sensible et déchirant et un triomphe absolu.

1. « Crimes du futur »

De retour avec son premier long métrage de réalisateur en environ sept ans, le maestro de l’horreur corporelle David Cronenberg – responsable de chefs-d’œuvre comme «The Fly» et «Dead Ringers» – a revisité bon nombre de ses thèmes emblématiques dans l’indélébile «Crimes of the Future».

À bien des égards, le film est un classique de Cronenberg, à la suite d’une relation amoureuse et créative qui trouve un ancien chirurgien traumatologue, joué par Léa Seydoux, enlevant rapidement des organes métastasés du corps de son partenaire, joué par Viggo Mortensen, dans des performances en direct qui se retrouvent situé quelque part entre le repoussant et le respectueux.

Mais si le film représente un autre exemple de l’étrange science-fiction sur laquelle Cronenberg a misé son nom, il représente également un léger changement de rythme pour l’auteur vieillissant. Le film est plus séduisant que ses prédécesseurs thématiques, échangeant des frissons de genre noueux contre quelque chose d’encore plus décalé.

Et, si le jeune Cronenberg ne voyait qu’une brutalité horrible dans ses concepts centraux, il aborde ici son matériau avec un mélange de curiosité et d’admiration, aboutissant à l’un des meilleurs plans finaux de toute sa carrière. Il n’y avait pas de meilleur film sorti en 2022 que ce chef-d’œuvre.