Hockney’s Eye : l’art et la technologie de la représentation

Alors que vous descendez Trumpington Street en direction du Fitzwilliam Museum, les bannières de l’autoportrait de Hockney 2021 bordent chaque côté de la route, vous regardant dans toute sa vivacité. Ceux-ci culminent en deux immenses bannières sur la façade du musée, devenant de nouveaux piliers. Hockney est vraiment « tak[ing] over Cambridge » (pamphlet), transformant à la fois le Fitzwilliam Museum et la Heong Gallery en son propre parcours vert vif, multimédia et iconoclaste.

Ce même autoportrait résume une grande partie de ce que l’exposition vise à faire; une présentation de l’œuvre d’Hockney, oui, mais aussi un examen de l’art lui-même, de ses règles, à travers « l’œil » d’Hockney. Le pinceau de Hockney s’étend au-delà des limites de la peinture – se prenant comme point de départ, mais attirant notre attention sur le chemin de l’art à venir, au-delà de l’arche verte illuminée. Ce qui reste de l’exposition habituelle au Fitzwilliam est largement absorbé par l’arrière-plan, les anciens maîtres du Fitz sont connus pour être relégués à des exemples par lesquels Hockney peut argumenter ses théories ou placer ses propres conceptions sur. Ils sont placés en opposition (souvent littérale) aux propres pièces de Hockney, comme avec les peintures à l’huile de base de vases de fleurs qui tournent maintenant autour d’un écran présentant une collection de dessins de fleurs de Hockney réalisés sur son iPad. Hockney est au premier plan et au centre, attirant notre attention.

Tout au long, le spectateur est invité à s’engager avec l’art; d’un judas contenant des modèles miniatures positionnés directement devant le tableau (« l’Extrême-Onction » de Poussin) qu’il représente, ou « La Fenêtre Perspective » où les invités faisaient la queue pour pratiquer la théorie de la perspective linéaire sur la pièce même dans laquelle nous nous trouvions , ou la grande camera obscura à l’extérieur où les enfants étendent joyeusement la caméra dans une vue vertigineuse de la rue animée et regardent les images se brouiller lorsqu’ils soulèvent les assiettes vers le plafond. L’exposition ne se contente pas de spectateurs – elle ne demande pas seulement votre engagement, elle l’exige.

Cela crée une ambiance animée, et à plusieurs reprises d’autres invités m’ont engagé dans leur débat, et c’est à travers cette discussion que nous avons pu retourner les processus artistiques sur nous-mêmes, et arriver à nous comprendre à travers eux. Cela contourne le problème de l’aliénation des visiteurs qui n’ont pas une compréhension préalable des notions artistiques que Hockney sape ou vise à redéfinir, un problème auquel se heurte la salle « Perspective, Orthodox and Reverse », où les armoires centrales contenant des guides pédagogiques sur la perspective est restée cachée sous le tissu, car la plupart des visiteurs se sont abstenus de les découvrir, ou ont jeté un coup d’œil et se sont enfuis.

Cet élément d’interaction physique ne déborde cependant pas sur la galerie Heong ; le vert vibrant du Fitzwilliam devient des lignes de bande sur le sol de cette galerie, mettant en place une distance entre le spectateur et l’art – une expérience de galerie plus typique, peut-être en raison de sa taille limitée. Contrairement à l’immensité pure et tentaculaire du Fitzwilliam, la galerie Heong est un espace intime. Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas non plus de création d’un tout cohérent au sein de cette galerie ; La voix de Hockney résonne dans tout l’espace à partir du documentaire de 45 minutes présenté, se mêlant aux propres conversations des visiteurs, pour créer dans l’espace une animation et une énergie qui reflètent l’extraordinaire vivacité de sa pièce « Grand Canyon I ». Il existe deux parcours actuels à travers les œuvres. Le premier, un focus sur la carrière de Hockney à travers le temps, commence par « Study Skeleton II » de son passage au Royal College of Art, et se termine par un autre écran qui présente un carrousel de ses récents dessins sur iPad. L’autre chemin passe par les citations de Hockney qui accompagnent chaque pièce, mettant en évidence ses propres idéologies de processus créatifs.

La description de « Grand Canyon Arizona with My Shadow, oct. 1982 » souligne que « l’espace est une préoccupation constante de Hockney ». Bien que cela fasse référence à un intérêt pour la représentation de l’espace dans son art, cela s’étend également hors de la toile pour influencer la création de ces expositions. C’est vraiment comme être dans le monde de Hockney. Le Fitzwilliam explose avec un vert intensément brillant que l’on ne trouve généralement que représenté électroniquement; comme le suggère le sous-titrage de l’exposition « Hockney va au-delà de ce qui peut être fait avec des pigments. Son étonnante gamme de verts est faite directement à partir de la lumière, émise et non réfléchie. Bien que je comprenne le but derrière le choix des couleurs et le désir de pousser l’espace dans le monde numérique des dernières œuvres de Hockney, c’était écrasant d’être si dominé par cela, et cela a également agi pour nuire au dynamisme des œuvres elles-mêmes. Cette connexion étendue a également supprimé une grande partie de l’individualité des pièces, leur refusant les frontières de leurs propres toiles, nous refusant la possibilité de nous engager pleinement avec elles en tant qu’œuvres d’art individuelles à part entière. S’adressant à plusieurs membres du personnel au sujet du choix de la couleur, il semble que ce soit une couleur qui doit « grandir sur les gens ».

L’exposition « Hockney’s Eye » vous permet véritablement d’entrer dans la façon de voir de Hockney, tout en mettant en valeur son immense gamme multimédia et les possibilités créatives qui peuvent être explorées dans les modes modernes, mettant les réflexions sur le processus de création artistique au premier plan de nos esprits. Il s’agit d’une exposition adaptée à la carrière expérimentale tentaculaire de Hockney, réunissant son obsession de longue date pour «l’art et la technologie» de la représentation dans un tout rassemblé.