« Emotions » de Mariah Carey : une rétrospective de 30 ans | Arts

Mariah Carey est, et a toujours été, une artiste avec une philosophie bien définie. Cette philosophie, cependant, a changé à un moment précis de sa carrière : après sa séparation du directeur de la maison de disques Tommy Mattola, l’image et le son de Carey se sont transformés de la soul et des cols roulés d’inspiration chrétienne de ses premières années à des échantillons de hip-hop et à une chorégraphie sensuelle. .

Comme ci-dessus, donc ci-dessous : De la transcendance stratosphérique du registre aigu de Carey à l’âme terreuse de sa voix de poitrine, la voix de Carey présente un dualisme caractéristique. Sa voix acquiert des qualités sublimes et divines (l’aigu est comme si elle parlait en langues, le registre grave comme si une soliste de gospel dans une église noire) lorsqu’elle était juxtaposée à la pudeur à première vue de sa première période et à des qualités corporelles. l’extase et le ravissement lorsqu’ils sont juxtaposés au sex-appeal manifeste de sa liberté retrouvée après sa séparation de Mottola.

Le deuxième album de Carey, « Emotions », se situe fermement dans sa première période. La pyrotechnie de sa voix virtuose est contrebalancée par des éléments plus conservateurs dans son écriture. Aussi radicale que soit sa gamme vocale, toutes les chansons de cet album semblent être fondées sur une grammaire musicale de la vieille garde – du gospel, de la soul, du R&B et, dans l’uniformité et le contrôle de sa technique, même classique (peut-être c’était dans son sang – sa mère a étudié l’opéra à Juilliard). Cette base dans la tradition, couplée à la fraîcheur de sa virtuosité sauvage, rend « Emotions » aussi séminal que son auteur. Et parce que Carey a insisté pour avoir une main si impliquée dans chaque facette de sa musique – elle a écrit et produit presque toutes les chansons – elle peut confortablement revendiquer ce titre. Comme les grands pianistes-compositeurs du XIXe siècle, Carey a écrit une musique parfaitement adaptée à son instrument ; chaque chanson semble réfracter Mariah Carey dans toutes ses couleurs. En raison d’une combinaison de cette primauté de l’instrument et de son penchant conservateur précoce, l’album est beaucoup plus intéressant musicalement que lyriquement.

« Emotions », sorti en 1991, est le deuxième album de Carey, et il a plus que soutenu la puissance de star catalysée par son premier single « Visions of Love ». Tout comme Carey elle-même était la star de son album éponyme, la chanson titre « Emotions » était – et est toujours – la star claire de celui-ci. Le contrepoint entre l’esthétique funk de la basse et du synthétiseur et l’éthique R&B classique du piano et des percussions est certainement attrayant et magistral dans sa propre composition. Cela dit, ce qui fait aujourd’hui la popularité de cette chanson (y compris sa mythologisation via le meme) est le même que ce qui l’a conduite au sommet des charts en 1991 : la folle montée des aigus juste avant le refrain. C’est un geste qui se répète tout au long de l’album et qui définit le talent artistique de Carey.

D’autres éléments de l’album, bien que potentiellement nostalgiques pour certains, se lisent comme dépassés. Dans « And Don’t You Remember », la couleur sonore du synthétiseur, l’utilisation du tambourin et la réverbération humide créent une atmosphère dont la nostalgie forcée est difficile à prendre au sérieux. Cela dit, le contrôle dont elle fait preuve en poussant la plénitude de sa voix de poitrine dans toute sa gamme pour sauter, dans un moment à couper le souffle, à une chaîne de notes de plus en plus aiguës, confère à la chanson un sentiment convaincant de catharsis, sinon simplement une mâchoire. largage de l’exploit technique. Une atmosphère similaire caractérise « Can’t Let Go ». C’est peut-être le résultat du conditionnement pavlovien via l’omniprésence de la musique pop des années 90 dans les épiceries, mais il est difficile de dépasser l’impression esthétique initiale d’une musique à la fois marchandisée et marchandisée ; même à la première écoute, cela semble presque trop familier pour être apprécié.

Sur le quatrième morceau de l’album, « …Make it Happen », Carey chante « Et si tu te mets à genoux la nuit / Et prie le Seigneur / Il va y arriver. » Cette religiosité trouve un écho, quoique de manière latente, dans l’atmosphère musicale du morceau suivant, « If It’s Over » : la combinaison du piano, du chapeau haut de forme et du chœur donne à la chanson une saveur priante et gospel. « You’re So Cold » est la chanson la plus intéressante de l’album en termes d’arc narratif : le drame du geste du piano d’ouverture et le grave registre puissant de Carey se brisent en une danse optimiste, comme une cavatine et une cabaletta dans la tradition bel canto , ou le couple récitatif et air mozartien « In quali eccessi » et « Mi tradi ». Cette dernière comparaison est appropriée en ce qui concerne le contenu : les chansons de Carey et de Mozart parlent de la cruauté et de la froideur des partenaires romantiques du chanteur. « So Blessed » exprime une expérience opposée : il s’ouvre sur « Lying near you / This joy is so deep. » Le fait que de telles vues diamétrales sur l’amour existent dans le même album implique, peut-être, que l’inventaire de Carey est composé d’émotions courantes et non d’expériences vécues, mais peut-être que cela trahit simplement le conservatisme non confessionnel qui caractérisait une grande partie du contenu de sa musique lorsqu’elle était impliquée dans Mottola.

Dans le morceau suivant, « To Be Around You », la puissante voix de poitrine que Carey a utilisée tout au long du reste de l’album prend une pause de 30 secondes alors qu’elle ouvre la chanson sur un ton vaporeux et soufflé, qu’elle alterne sans effort avec son plus dense, voix de poitrine plus rauque. Comme des couches d’une bagatelle exquise ornée de feuilles d’or, les deux textures vocales sont ponctuées par l’éclat d’un autre monde de ses sons de sifflet de flûte, sur lesquels elle saute sans effort. Le ton haletant de Carey s’adoucit davantage – un exploit vocal extraordinaire – dans « Till the End of Time », où il prend une qualité incroyablement intime, quasi-érotique; nous pouvons sentir son souffle sur notre peau comme si elle chuchotait à nos oreilles. Le dernier morceau, « The Wind », s’ouvre sur une improvisation high-jazz au piano. Un orchestre complet de cordes et un chapeau haut de forme chantant émergent pour soutenir une multiplicité de couleurs dans la voix emblématique de Carey. Recomposition originale d’un instrument de jazz écrit 40 ans plus tôt, Carey associe l’orchestration luxuriante à des paroles sur un ami tué dans un accident. C’est à la fois la chanson la plus sophistiquée musicalement de l’album et la plus personnelle, bien que peut-être trop sophistiquée pour certaines sensibilités pop traditionnelles. Toutes les chansons de l’album n’ont pas été un succès – aucune autant que le premier morceau éponyme – mais Carey, bien sûr, brille sur chacune.

Remerciements : remerciements particuliers à l’interprète, musicologue et ami proche Jamison Hillian, du Curtis Institute of Music, pour ses conseils historiques.