Célébrer de nouvelles célébrités – The Boston Musical Intelligencer

par Geoffrey Wieting

Un seul downlight bleu définissait la petite arène dans laquelle le Junction Trio affronterait des compositeurs anciens et modernes ainsi que nos attentes en matière de décorum de concert, sur une scène autrement sombre du Jordan Hall un samedi soir ardent. « Étant donné que la performance en direct est au cœur de la raison d’être de Celebrity Series, nous sommes toujours intéressés par l’évolution de l’expérience de la performance en direct. La clé, comme toujours, est d’améliorer et d’augmenter, pas de distraire, tout en étant ouvert à la forme que ces améliorations pourraient prendre », a déclaré le PDG de Celebrity Series, Gary Dunning, à cet écrivain après le concert. Au cours des quelques heures de création musicale, la conceptrice d’éclairage / opératrice de tableau Anne Dresbach nous a mis dans l’ambiance avec un changement de couleur à partir de l’instrument central unique, des projections de biscuits de motifs labyrinthiques et un éclairage général bien ciblé. La maison complètement sombre ajoutait à la suspension mystérieuse du temps et du lieu, mais rendait la lecture et la prise de notes presque impossibles. Dans l’ensemble, nous applaudissons une telle tentative d’éviter le quotidien.

Et suite à l’amélioration et au rajeunissement de l’expérience du concert, JCT avait prévu de commencer la seconde moitié avec son propre arrangement de numéros de Gesualdo à couper le souffle et cosmiquement chromatique. Ténébrae Responsoria (1611) menant attaca dans le Schumann Piano Trio in D Minor op. 63, mais après la publication du document, ils ont décidé que ce plan entraînerait un désastre. Au lieu de cela, le violoncelliste Jay Campbell a expliqué que son arrangement de la chanson spirituellement instructive de Thomas Morley « Christes Crosse » de son « Plaine and Easie Intruduction to Practicall Musicke of 1597 » servait mieux à se connecter avec le favori énergique et passionné de Schumann. Campbell a laissé le soin à la foule d’interrompre par des applaudissements ou de permettre au Schumann de continuer sans pause.

Morley a mis en place la ligne vocale avec deux parties instrumentales pour servir d’accompagnement, les interprètes devant réaliser des figurations intéressantes. La partie de piano de Conrad Tao (dans la transcription de Campbell*) commençait simplement mais se répétait en mètres doubles, triples et quadruples, défiant les étoiles de s’aligner. « Stéphan [Jackiw] (jouant la ligne vocale) suivra son propre chemin comme il le fait toujours », a déclaré Campbell, et en effet le numéro s’est senti dans l’instant et improvisé – presque bien ordonné.

Le public, jugeant que JCT avait fait un bon choix, est resté silencieux à la fin du numéro, permettant au Schumann de commencer avec inévitabilité.

Dans l’intérêt de rafraîchir l’expérience du concert, JCT aurait peut-être projeté les mots dans des tourbillons de plus en plus rapides :

Christes crosse soit ma vitesse, en toute vertu de procéder,
A, b, c, d, e, f, g, h, i, k, l, m, n, o, p,
q, r, s, & t, double w, v, x, avec y, ezod &
en soi, con en soi,
titre, titre est Amen,
Lorsque vous avez terminé, recommencez

Mais ils pourraient aussi avoir regardé en arrière dans le 19^e-siècle pratique de briser les mouvements et donc préservé le Gesualdo. Que diriez-vous:

1. Mit Energie et Leidenschaft

Morley

1. Lebhaft, doch nicht zu rasch

Gesualdo

1. Langsam, mit inniger Empfindung
2. Mit Feuer

Les joueurs conjoints, individuellement virtuoses, élégants, poétiques, bel canto et féroces, ont répondu aux attentes de la série Celebrity à tous égards, ajoutant leurs noms aux listes de trios de célébrités tels que les Cortot-Thibaud-Casals, Ax-Kavakos-Ma , Les Beaux Arts, Istomin-Stern-Rose. Le jeune Junction Trio apporte également une manière scénique attrayante, une détermination à briser les moules confinées et une joie contagieuse partagée dans la création musicale.

Le concert avait commencé avec la première sur la côte est de Amy Williams’s Cloches et sifflets, co-commandé par Boston Celebrity Series. Le compositeur a noté que

Le terme « cloches et sifflets » vient de l’orgue forain et aussi du début du 20^edes horloges « maîtres » du siècle dernier, qui pouvaient faire fonctionner différentes horloges dans une usine ou une école pour faire sonner des cloches ou siffler. Ces images sonores sont combinées avec d’autres types de cloches (alarmes incendie, sifflets de train, clochers, coucous, enclumes). La pièce est en trois sections continues – la première est axée sur les horloges (mécaniques, sons de tic-tac), la seconde sur les trains (rapides, roulants) et la troisième sur les cloches (sonneries, accumulation).

Malgré la digression possible dans l’asservissement des horloges et des ouvriers d’usine, l’ouvreur a évité les messages manifestes tels que le froissement des sacs poubelles à usage unique dans le Piano Trio n ° 2 politiquement correct de Tao entendu dans la saison estivale 2019 de Rockport Music… bien que Tao atteigne le piano au début de Cloches et sifflets nous a laissé attendre le pire.

Le premier mouvement [had in 2021] ouvert avec plus d’une minute de Tao froissant et étirant un sac en plastique – et rien d’autre. En effet, une grande partie du mouvement semblait être une tentative d’étendre les limites de ce qui constitue la musique avec un recours fréquent aux effets sonores plus qu’au ton musical et aux phrases reconnaissables. Tao tenait le sac tout en jouant n’avait aucun effet musical perceptible mais semblait simplement un gadget visuel. (Geoff Wieting)

Si Tao maîtrisait beaucoup d’ostinatos forts et rapides, Jackiw et Campbell n’agissaient guère comme des esclaves dans leurs grattages, con legnos et pizzes ; en fait, les trois joueurs ont apparemment agi de manière assez indépendante les uns des autres, car ils ont accumulé des explosions épisodiques. Plus tard, les harmoniques des cordes murmuraient un impressionnisme silencieux (dans lequel la lumière bleue se sentait particulièrement appropriée) tandis que le piano en arrière-plan menaçait de riffs à double vitesse avant de s’estomper dans les brumes… pas assez tôt.

Le Trio avec piano en la mineur de Ravel, un incontournable du répertoire, a suivi sans aucune fatalité programmatique, bien que nous l’ayons certainement reçu avec gratitude. Les joueurs ont saturé Jordan Hall avec le magnifique ton de chant que nous savions qu’ils possédaient. Bien sûr, ils maîtrisaient les sautes d’humeur, les effets coloristes, les rythmes jazzy, les atavismes sophistiqués, les changements harmoniques et les rêveries mélodiques obsédantes de Ravel. Les auditeurs de 1913 ont dû se demander si eux ou le compositeur avaient perdu la raison. Aujourd’hui on peut se régaler.

L’éditeur se donne la permission de clore cette revue avec l’excellent récit de Geoff Wieting sur l’œuvre et la traversée tout aussi mémorable du Junction Trio depuis Rockport en 2021.

Le Trio avec piano de Ravel de 1913 a également dû être considéré comme outré par beaucoup à l’époque, mais bien que le compositeur ait utilisé une nomenclature peu commune dans les mouvements médians Pantoum et Passacaille, ce sont essentiellement des variations sur les tropes traditionnels ; de plus, bien que ses harmonies aillent bien au-delà de celles des Fauré, Widor et Saint-Saëns toujours actifs, elles semblent apprivoisées par rapport à l’idiome de Stravinsky. Le sacre du printemps, de la même année. Les musiciens ont inculqué Modéré premier mouvement avec cette douce mélancolie si commune chez Ravel œuvre mais avec un raffinement particulier dans cette pièce. Les apogées du mouvement avaient toute la poussée et la puissance nécessaires, mais les moments les plus lyriques et gracieux – accords de piano roulés et glissandi à cordes – ont le plus séduit mes oreilles. À la conclusion, le bel écho lointain du premier thème, maintenant en majeur relatif, était profondément touchant dans sa simplicité.

UN pantoum est une forme de vers malais de strophes à quatre vers, mais Ravel l’adapte à la musique du deuxième mouvement en entremêlant deux thèmes principaux tout au long de sa construction en un scherzo virtuose, non pas du genre plaisanterie, mais plutôt un tsunami déferlant d’euphorie. Néanmoins, l’énergie implacable ne devrait pas empêcher l’exécution nette d’un détail révélateur comme les triolets du deuxième thème principal, comme cela arrivait parfois. Pourtant, la verve et la puissance de cette traversée ont submergé sans sacrifier l’équilibre entre les instruments, et la performance a laissé le public sensiblement haletant à la fin – dans le bon sens !

Pour moi, le point culminant profondément expressif du concert est venu dans le Passacaille troisième mouvement. Ce n’est pas non plus un terme que l’on s’attend à rencontrer dans la musique de chambre car il est le plus souvent associé à la littérature pour orgue solo (en utilisant le terme italien le plus courant, passacaille), désignant un ensemble de variations construites sur une basse au sol. Étant donné l’égalitarisme de la musique de chambre, Ravel fait naturellement migrer la mélodie fondamentale à travers toutes les parties de la texture au cours du mouvement. Les artistes ont soigneusement construit une grande arche, commençant dans les profondeurs de la basse du piano solo, l’amenant progressivement à un point culminant puissant qui semblait secouer la salle, puis avec un soin égal descendant progressivement du sommet. Vers la fin du mouvement, le duo de cordes en sourdine, pratiquement sans vibrato, et la récurrence finale du solo de basse grave du piano étaient d’une beauté saisissante et émouvantes, chacun donnant un avant-goût de Ravel. style dépouillée (style dépouillé) entendu dans tant de ses œuvres des années 1920.

Après les profondes splendeurs de la Passacaillela délicatesse aérienne du Final nous a rapidement soulevés au-dessus de la surface de la terre. . . bien que tout n’était pas légèreté. Ravel fait peut-être sa seule référence indirecte à l’horreur envahissante de la Première Guerre mondiale dans les figures de fanfare en triades assignées au piano. Celles-ci auraient pu être beaucoup plus martiales et cuivrées ; Le pédalage trop généreux de Tao ici a entravé les idéaux français de clarté et de brillance nette. Cependant, avec l’arrivée de l’apogée des accords au piano, surmontée de trilles de cordes scintillantes, la joie triomphe, et la puissance et la virtuosité non forcées du trio ont de nouveau inspiré l’admiration alors que la grande œuvre de Ravel arrivait à une conclusion retentissante.

Lee Eiseman est l’éditeur du Espion

Geoffrey Wieting est titulaire d’un baccalauréat en orgue et en latin de l’Oberlin College et d’une maîtrise en piano collaboratif du New England Conservatory. Il est organiste indépendant, pianiste collaborateur et coach vocal. Il chante avec le Back Bay Chorale et siège au conseil d’administration de la Old West Organ Society.

*Charles Wuorinen a également relevé le défi d’arranger cette célèbre chanson de Morley et a utilement décrit sa corvée :

CHRISTES CROSSE est une mise en musique pour soprano et piano d’un exercice de chant trouvé dans PLAINE AND EASIE INTRODUCTION TO PRACTICALL MUSICKE de Thomas Morley de 1597. Dans l’original, un cantus simple flotte au-dessus de deux parties inférieures qui deviennent de plus en plus complexes et actives au fur et à mesure que la pièce se déroule. Dans ma version, ces parties sont transférées au piano, avec des modifications considérables effectuées principalement par un changement de registre. Cela amplifie la qualité déjà légèrement hystérique de l’original. -CW, mai 1998

Ecoute maintenant.

Pourquoi plus personne n’interprète les madrigaux choisis par Morely ? Autrefois, nous aimions chanter : Avril est dans le visage de ma maîtresse, c’est maintenant le mois de Maying, Fire Fire My Heart, O Mistress Mine…