Beyond Kaws est un vaste monde de jouets et d’artistes indépendants – ARTnews.com

Il y a de fortes chances que si vous êtes entré en contact avec des jouets artistiques, c’est à cause de KAWS. Également connu sous le nom de jouets de créateurs ou de vinyle urbain, le jouet d’art est conçu par un artiste et produit par de petites usines dans une variété de matériaux et de coloris. Au moins, cela vaut pour la scène indépendante. Pour des artistes comme KAWS, dont les personnages zombifiés de Mickey Mouse sont séduisants pour le collectionneur d’art millénaire, la capacité de produire en masse ses pièces brouille considérablement la frontière entre l’art et le jouet.

Jusqu’à récemment, le monde des art-jouets était composé d’une petite communauté mondiale d’artistes et de collectionneurs. Aujourd’hui, le succès de KAWS a augmenté la demande globale de jouets artistiques, ce qui a conduit les collectionneurs hypebeast à parcourir le monde des jouets d’art indépendants à la recherche de pièces de style similaire. Alors que les prix de KAWS continuent de gonfler, le marché dans son ensemble se développe au-delà de ses origines. Mais cette popularité apporte avec elle le bagage de l’influence noire non crédité sur les jouets artistiques depuis la création du mouvement à la fin des années 1990.

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Mie, également connue sous le nom d’artiste-jouet NegroidAutomata, a commencé sa carrière dans les jouets artistiques en travaillant chez MunkyKing, une petite entreprise de jouets artistiques. Elle passait ses journées à parcourir Internet à la recherche d’artistes visuels qui souhaiteraient travailler avec l’entreprise pour adapter leurs créations en jouets artistiques. Mie allait souvent à ces conventions dans le cadre de son travail et comme une extension de son propre amour pour la collection et la conception de jouets artistiques. Récemment, elle a commencé à voir une hausse dans le collectionneur de type sneakerhead lors de conventions comme Designer Con.

«Les collectionneurs d’art et les collectionneurs hypebeast ont émergé [at conventions]», Me dit Mie au téléphone. « Quelque chose que vous verrez si vous allez à [Designer Con] c’est maintenant que beaucoup de gens qui achètent des jouets d’art sont des sneakerheads. Ils se promèneront avec des baskets de 2000 $ aux pieds, puis achèteront des jouets artistiques de la même manière qu’ils achètent des baskets. Vous verrez une ligne pour quelque chose et il se vendra, seulement pour le voir sur Ebay le lendemain. Les plus populaires sont ces marques hypebeast qui ont fusionné dans le [art toy] communauté, comme KAWS ou Quiccs ou Bape», Dit Mie.

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La forte présence de la culture hypebeast dérange Mie, qui est l’un des rares créateurs noirs dans une scène dominée par les hommes blancs. «Tout est très culturel de rue, mais je pense que beaucoup de culture de rue dérive de la culture noire», dit-elle. Malgré l’influence de la culture noire, « vous allez à ces conventions et vous ne voyez pas vraiment beaucoup de Noirs ou d’artistes noirs, juste beaucoup de thèmes noirs. »

Bien que la présence accrue des sneakerheads dans le monde du jouet d’art indépendant n’ait vraiment émergé que dans les années 2010, la «culture de la rue» – un terme dont l’esthétique est largement dérivée de la culture noire – est présente depuis la création du jouet d’art.

Dans les années 1990, Hong Kong Michael Lau, le soi-disant parrain des jouets de créateurs, a sorti son Gardner séries. Dans ses premiers croquis et jouets, la présence de la culture noire est évidente. Malheureusement, Lau n’a pas développé sa conception de personnage au-delà du stéréotype. En 2007, par exemple, une série qu’il a réalisée offrait des contrepoints «Lazy» à d’autres dessins de la série, tous représentés avec des tons de peau foncée, comme si la paresse coïncidait avec la mélanine.

La popularité des jouets de créateurs dans le monde de l’art a toujours été fondée sur sa crédibilité avant-gardiste de la culture de la rue. L’attrait de cette œuvre pour les artistes et les consommateurs non noirs n’est souvent pas examiné. Les jouets artistiques rendent l’iconographie pop de l’enfance – comme Mickey Mouse – subversive en la rendant «rue», poursuivant le vieux positionnement de la Blackness and Black culture comme l’antithèse de l’innocence.

Mais la subversion de l’innocence à quelle fin? Le but du brouillage culturel par la subvertising – publicités falsifiées ou modifiées, ciblant souvent les panneaux d’affichage et les affiches – et d’autres tendances du pop art du 21e siècle était d’écraser l’établissement final du commercialisme. Mais comme le note William Smith au sujet du propre travail de KAWS dans le subvertising, le contraire s’est produit.

«Les publicités collaboratives de KAWS pourraient devenir plus séduisantes même si elles devenaient plus ironiques, plus motivantes à consommer alors même qu’elles exprimaient une attitude consciente, sinon critique, des mécanismes de consommation», Smith écrit. Consommer comme un geste ironique est ce qui a fait du jouet d’art un objet de collection haut de gamme parmi les échelons supérieurs.

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Le plus petit monde du jouet d’art indépendant, bien que non sans ses défauts, est à certains égards l’antithèse du type de détachement ironique de KAWS. Bien que les artistes de la scène qui s’adonnent ou attirent le collectionneur de type hypebeast tombent dans le même piège de fabriquer des jouets artistiques avant-gardistes et «urbains», la scène indépendante a beaucoup à offrir au-delà de cela. Des artistes aussi variés que Mie, Freddy Carrasco, Patrouille scientifique et Chompton créer des personnages très différents qui proviennent d’une variété d’influences de style, du genre monstre kaiju de la tradition Godzilla aux dessins animés des années 90. Le travail de création de ces pièces en édition limitée est complexe, nécessitant de multiples artisans et des réseaux internationaux. Cependant, l’initiation à la conception de jouets artistiques commence souvent par un simple amour pour les collectionner.

Mark Nagata, le fondateur de Max Toy Company, et une entreprise individuelle, déclare: «Si je vois un fil conducteur entre les gens qui commencent à fabriquer des jouets artistiques, c’est qu’ils étaient tous d’abord des collectionneurs de jouets d’une manière ou d’une autre.» Nagata a commencé à collectionner des jouets japonais vintage dans les années 80 tout en poursuivant sa carrière d’illustrateur indépendant. En 2005, il a lancé Max Toy Company afin de pouvoir commencer à fabriquer ses propres jouets, travaillant souvent avec les mêmes usines de vinyle souple qui fabriquaient certains de ses objets de collection préférés.

Nagata souligne que ces usines sont plus petites que ce que la plupart des gens pensent, «quand je dis usine, les gens envisagent peut-être 20 ou 30 personnes, mais c’est généralement un seul gars. C’est en raison de la taille extrêmement petite de ces usines, de la dégradation rapide des moules en silicone et des contraintes d’expédition à l’étranger et des coûts d’usine que le nombre de jouets est naturellement limité, ce qui en fait de parfaits objets de collection.

Cory Michael Privitera, un créateur de jouets d’art qui passe également par Science Patrol, a déménagé au Japon pour devenir apprenti pour un fabricant de jouets et y vit maintenant à plein temps. Il note que la communauté japonaise des jouets d’art n’a pas la conscience de soi de la scène aux États-Unis. Privitera a expliqué les nuances par courrier électronique:

La communauté ici est similaire à ce que j’ai vu en Amérique lors de leurs événements de jouets, mais comme il y a plus de confort pour acheter et collecter des jouets à tout âge ici, après l’événement, des rencontres dans des bars aléatoires avec des fabricants et des collectionneurs où tout le monde sort tout ce qu’ils ont acheté et où tout le monde regarde publiquement, «  joue avec  » et parle de jouets sans qu’il y ait un air bizarre d’embarras, c’est quelque chose que je n’ai jamais vu en Occident.

Bien que puiser dans des communautés de collectionneurs établies, telles que les collectionneurs de Sanrio, soit un moyen sûr de vendre son jouet, les artistes indépendants n’ont généralement pas accès à ces licences de franchise, ce qui rend difficile de tirer profit de la tendance pop art. Cependant, parfois, des artistes seront engagés par des sociétés de jouets de créateurs comme Medicom pour collaborer sur des licences qu’ils ont acquises.

Candie Bolton avait déjà collaboré avec KidRobot lorsqu’elle a été approchée chez Designer Con avec une offre pour concevoir un jouet d’art Hello Kitty. Collectionneuse de produits Hello Kitty depuis qu’elle était petite, Bolton a sauté sur l’occasion, mais la pression de collaborer avec un personnage aussi emblématique a rendu le processus de conception difficile.

«J’essayais de résumer une idée que je pense que les collectionneurs de jouets et les collectionneurs de Sanrio ont en commun, à savoir qu’ils aiment les choses qu’ils aimaient depuis leur enfance et qu’ils ne veulent pas abandonner ces choses», dit Candie . «Je voulais que les gens sentent qu’il est normal de ne pas abandonner ces choses.»

Même si elle voulait poursuivre un design plus mature, il y avait des limites, «puisque Sanrio doit protéger leur marque», dit-elle. «Cela ne peut pas être trop sanglant ou sexuel ou faire référence à des drogues; il devait être relativement apprivoisé. Après six mois d’expérimentation, Bolton a opté pour un Hello Kitty mélancolique, adolescent serré contre des ballons destinés à symboliser les amours de l’enfance qui sont toujours en suspens.