6 livres sur la façon dont la mode contribue au changement sociétal

Les snobs peuvent se moquer et dire que vous avez du style ou que vous n’en avez pas ; les experts de la mode savent mieux. Ils nous assurent que, comme la plupart des choses, s’habiller selon son style personnel peut s’apprendre. Quelle meilleure façon de le faire qu’à travers des livres qui suivent les tendances et choisissent ce qui est cool ou chaud, et regorgent d’histoires sur la façon dont des idées uniques sont nées et traduites en tissu ainsi que sur qui a influencé quoi.

La mode est un baromètre de l’époque, avec des designers, des artisans et des icônes attentifs tirant des fils de ce qu’ils voient et savent et les tissant dans des vêtements qui reflètent ce qui se passe autour d’eux, qu’il s’agisse de rébellion, de célébration ou d’innovation. Ils embellissent leurs créations avec de la couleur et de la verve et portent des pièces auxquelles les gens s’identifient et veulent porter. Après tout, comme le disait Marc Jacobs, « les vêtements ne sont rien tant que quelqu’un n’y habite pas ».

Les États-Unis de la mode : un nouvel atlas du style américain

Les défilés annulés et les défilés vides dans les capitales de la mode l’année dernière ont incité les créateurs à chercher l’inspiration dans leur propre arrière-cour, littéralement. Un résultat affirmatif de la pandémie est un chœur de voix fraîches parlant de vêtements confortables, de matériaux durables, de prendre soin de la Terre, de pivoter pour rester pertinents et d’atteindre les clients numériquement.

Vogue Amérique‘s Les États-Unis de la mode capture les récits de nouveaux créateurs à travers le pays qui, à travers des images et des mots, partagent comment ils interprètent et s’identifient à la mode d’aujourd’hui. Le livre est le résultat d’un projet du même nom lancé par le magazine en février, pour mettre en avant les créations et l’artisanat florissant localement.

Écrit par Vogue rédacteurs en chef qui ont voyagé d’un océan à l’autre, il répertorie les innovations et les entreprises qui définissent la mode américaine – qui a évolué dans des circonstances difficiles, les consommateurs souhaitant des vêtements et un confort plus conscients mais dépensant moins, car le coronavirus change la façon dont les gens vivent, travaillent, font leurs achats et joue.

Habiller la Résistance de Camille Benda

Se concentrant sur ce que le Mahatma Gandhi portait au fil des ans, le Gandhi Book Center note qu’il a troqué manteaux, pantalons et chapeaux pour un lungi (vêtement traditionnel porté autour de la taille), puis un dhoti (long pagne enroulé autour des hanches et des cuisses, avec une extrémité remontée entre les jambes et rentré dans la ceinture) avant de passer à un khadi wrap, un tissu filé à la main en coton, qui symbolisait la lutte de l’Inde pour l’indépendance.

Les vêtements ne font peut-être pas l’homme, mais ils peuvent certainement déclencher l’activisme et stimuler le changement social, écrit la créatrice de costumes et historienne de la mode Benda dans Habiller la Résistance (disponible à partir du 19 octobre). Les suffragettes américaines marchant au rythme de « Deeds Not Words » portaient des robes fabriquées à partir de vieux journaux imprimés avec des slogans de vote. Les agriculteurs indiens portaient les saris de leurs femmes pour organiser des sit-in sur les voies ferrées. Les épingles à nourrice suspendues aux lobes des oreilles ou fixées sur des vestes en lambeaux étaient considérées comme « une expression culturelle de l’angoisse, de l’émotion et du volume », a déclaré le magazine Billboard à propos du mouvement punk.

Des rébellions à l’époque romaine aux femmes pleurant #MeToo aujourd’hui, les vêtements, les textiles et les costumes figurent comme des outils pour agiter pour le changement. La mode de protestation – des uniformes et t-shirts aux bandeaux et chapeaux – galvanise le soutien et communique le mécontentement. Un article de journal intitulé « Dressing for Freedom » a décrit Rosa Parks comme « impeccablement vêtue de vêtements sur mesure » ​​lorsqu’elle a été arrêtée en 1955 à Montgomery, en Alabama, pour avoir enfreint une loi sur les sièges séparés dans les bus publics. Son style calme et son attitude digne, soulignés par les organisateurs de la manifestation, ont contribué à attiser la lutte pour l’égalité sociale.

Néanmoins, elle le portait : 50 moments emblématiques de la mode par Ann Shen

Les femmes qui osent, portent. Dans Néanmoins, elle le portait, l’écrivaine et illustratrice Ann Shen nous ramène à des moments précis des années passées où les gens ignoraient les normes sociales et choisissaient des vêtements qui leur plaisaient et des modes de vie adaptés, ouvrant la voie à un changement radical.

Après la Première Guerre mondiale, les femmes américaines ont rejoint le marché du travail en masse, ont obtenu le droit de vote et ont eu un accès plus facile à la mobilité, grâce à l’automobile. Ces facteurs auraient façonné la robe à clapet – des tenues droites et amples avec une taille au niveau des hanches et un ourlet qui tombe entre le mollet et le genou, laissant les bras nus. Les jeunes clapets affichaient leur style de vie «scandaleux et immoral» dans ces robes alors qu’ils poussaient pour la liberté économique, politique et sexuelle.

Le bikini introduit par le designer français Louis Réard en 1946, le premier été sans guerre depuis des années, a été nommé d’après l’atoll de Bikini dans l’océan Pacifique où les États-Unis ont testé l’impact des bombes atomiques sur les navires de guerre. Son effet libérateur sur les maillots de bain féminin a fait le tour du monde. Pour citer l’historien de la mode français Olivier Saillard, « le pouvoir des femmes, et non le pouvoir de la mode » était la raison pour laquelle ces morceaux de tissu scandaleux se sont propagés.

Bien avant #BlackLivesMatter, le volumineux Afro symbolisait la rébellion, la fierté et l’autonomisation pendant le mouvement Black is Beautiful du milieu des années 1960. Au cours des décennies qui ont suivi, les individus ont fait des déclarations personnelles à travers la mode, soit fort – Madonna a affiché sa sexualité sur scène dans son corset Cone Bra créé par Jean Paul Gaultier – ou discrètement – ​​la défunte juge de la Cour suprême des États-Unis Ruth Bader Ginsburg portait des jabots élaborés sur son noir des robes qui disaient le style et ce qu’elle pensait de certaines personnes au pouvoir. Entre son collier « dissident » et son collier « opinion majoritaire », elle a été vue, et sûrement entendue.

Concevoir la maternité : les choses qui font et brisent nos naissances par Michelle Millar Fisher et Amber Winick

Ce livre a eu sa graine dans le 1956 [Einar] Tire-lait Egnell SMB fabriqué par l’ingénieur suédois que Millar Fisher, assistant de conservation au Museum of Modern Art de New York en 2015, a tenté d’acquérir pour sa collection. Rien n’est venu de cela, mais elle, avec l’historienne du design Winick, a commencé à examiner le lien entre la reproduction et le design. Cela a conduit à la naissance de Concevoir la maternité, ainsi qu’une exposition du même titre au Mütter Museum de Philadelphie, aux États-Unis, qui a ouvert ses portes en mai et se poursuivra jusqu’en mai prochain.

Les auteurs examinent plus de 80 objets conçus comme « emblématiques, conceptuels, archaïques, titillants, chargés d’émotion ou tout simplement étranges », parmi lesquels des kits de test de grossesse à domicile, des oreillers de grossesse, la jupe à nouer à la taille que les femmes portaient dans les années 1950 pour se cacher. baby bumps, gâteaux révélateurs de genre, porte-bébés et portage dans les cultures traditionnelles, des boîtes en bois pour bébés que le gouvernement finlandais a offertes aux femmes enceintes, des dosettes d’allaitement et, bien sûr, des tire-lait.

L’histoire et l’histoire, entrecoupées de photographies, de dessins et de publicités historiques, soulignent comment le design et les objets ont façonné les expériences de reproduction des femmes et la relation entre les personnes et les bébés au cours du siècle dernier.

Voyages extraordinaires : Louis Vuitton par Francisca Mattéoli

Voyage de luxe et équipement à la mode vont de pair et Louis Vuitton combine les deux avec panache. La marque elle-même avait un pied dans le voyage, lorsque son fondateur éponyme (1821 à 1892) a quitté son hameau du Jura, en France, à 13 ans et a marché jusqu’à Paris. Le voyage de 400 km a duré deux ans et il a fait des petits boulots pour payer ses frais.

Voyages extraordinaires est loin du trek de Louis Vuitton. Ce livre édité par la maison et l’Atelier EXB emmène les lecteurs à travers le monde par voie maritime, ferroviaire ou aérienne et terrestre, à travers 50 histoires vraies de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Les aventuriers attirés par les modes de transport modernes sont montés à bord de trains, de paquebots, de jonques, d’automobiles, de half-tracks, de zeppelins, d’avions et de vaisseaux spatiaux à la recherche de nouvelles expériences. Ceux qui voyageaient avec style ont emporté avec eux des malles, des valises et des boîtes à chapeaux portant l’emblématique monogramme LV.

Illustré d’images d’archives Louis Vuitton, de photographies anciennes et d’affiches de voyage, Voyages extraordinaires voyage aux côtés d’explorateurs, d’aristocrates, d’artistes et de globe-trotters hédonistes qui se sont envolés « pour s’évader dans un monde de rêves devenu réalité », écrit Mattéoli. Il raconte l’histoire du voyage et l’histoire des bagages de la marque française, depuis sa fondation en 1854 par le jeune Louis, qui fut 17 ans l’apprenti du maître malletier Romain Maréchal.

Peter Lindbergh : sur la photographie de mode

Lorsque Peter Lindbergh (1944-2019) a regardé à travers son objectif les femmes, il a vu la beauté brute renforcée par la personnalité. Lorsqu’il a appuyé sur le déclencheur, il a capturé de vraies personnes racontant de vraies histoires. Le photographe de mode allemand a évité les images stéréotypées de mannequins, de stars du cinéma et de célébrités et, à la place, les a représentés dans des décors naturels et des vêtements simples et avec un maquillage minimal, brisant le moule des poses parfaites alourdies par les paillettes, les gros cheveux et les cosmétiques.

Dans ce livre, il parle d’images iconiques qu’il a prises pour divers magazines, en particulier le premier d’Anna Wintour Vogue Amérique couverture en novembre 1988 mettant en vedette le mannequin israélien Michaela Bercu – il a enfreint toutes les règles et Wintour a senti « le vent du changement » – et travaillant avec les plus grands noms de l’industrie ainsi que « des femmes extrêmement intelligentes avec de fortes personnalités qui savaient exactement ce qu’elles voulaient. Ils étaient également libres de conventions sociales ». Il faisait référence, dans le magazine en ligne LensCulture, à Cindy Crawford, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz et Christy Turlington, de nouveaux visages qu’il a transformés en mannequins avec sa série White Shirts tournée sur une plage de Malibu en 1988.

Cette édition spéciale de Peter Lindbergh : sur la photographie de mode a plus de 300 images, dont beaucoup inédites, recueillies à partir de ses 40 ans de carrière et une adaptation 2016 Vogue interview sur son « grand moment top model » et les personnalités qui personnifiaient la nouvelle femme des années 90. L’homme qui a modifié le paysage de la photographie de mode avec audace a exposé au Victoria & Albert Museum de Londres, au Centre Pompidou à Paris, au Musée d’art contemporain de Berlin et au Musée des beaux-arts Pouchkine à Moscou et dans divers autres lieux.

Cet article a été publié pour la première fois le 20 septembre 2021 dans The Edge Malaysia.